Il club di Groucho

Avvisate i morti!

2012-02-06T19:10:00.003+01:00

Un annuncio del Tribunale di Grosseto, pubblicato sui quotidiani di oggi e relativo al naufragio della Costa Concordia, dispone che si dia avviso della data fissata per l'udienza "ai passeggeri ed all'equipaggio della nave Costa Concordia, nonché alle vittime identificate e a quelle ancora da identificare".
Capisco la burocrazia, ma informare anche le vittime mi sembra un po' troppo!

Clicca per ingrandire

Moai

2012-01-28T11:26:00.000+01:00

Alcune magnifiche foto scattate da mia sorella all’Isola di Pasqua.

Letters of note

2012-01-21T18:20:00.001+01:00

Adriano mi ha fatto conoscere questo interessante sito che riproduce missive e corrispondenze particolarmente significative di personaggi celebri.

Fra le varie chicche, ci sono lettere di Douglas Adams, Giuseppe Verdi, Stephen Hawking, Albert Einstein, Benjamin Franklin, Kurt Vonnegut, Groucho Marx, Matt Stone, Hunter S. Thompson, Mark Twain, e molti altri.

Un esempio: questa lettera scritta da Raymond Chandler ad Alfred Hitchcock dopo aver visto il film "Delitto per delitto – L'altro uomo" per il quale proprio Chandler aveva scritto una prima bozza di sceneggiatura, scartata dopo che i rapporti fra i due si erano irrimediabilmente deteriorati. Per apprezzare al meglio lo stile sardonico del creatore di Marlowe andrebbe assolutamente letta in inglese, ma ne azzardo qui una traduzione:

6 dicembre 1950

Caro Hitch,

nonostante il tuo vasto e generoso disinteresse per i miei messaggi a proposito del copione de "L’altro uomo" e la tua incapacità di fare un qualsiasi commento su di essi, e nonostante io non abbia ricevuto da te una sola parola da quando ho iniziato a scrivere la sceneggiatura vera e propria – tutte cose per le quali non serbo rancore, dal momento che questo tipo di comportamento sembra far parte dello standard depravato di Hollywood – nonostante tutto questo e nonostante questa frase così contorta, sento di doverti fornire, giusto per la cronaca, qualche commento sulla cosiddetta sceneggiatura finale. Posso capire che tu non abbia apprezzato determinate cose del copione che avevo scritto, ritenendo che questa o quella scena fosse troppo lunga e che questo o quel meccanismo fosse troppo goffo. Posso capire che tu abbia cambiato idea a proposito di cose che avevi espressamente voluto, perché alcuni di questi cambiamenti potrebbero esserti stati imposti dall'alto. Quello che non riesco a capire è perché hai permesso che una sceneggiatura che in fin dei conti aveva una certa vitalità e un certo respiro venisse ridotta a una tale massa flaccida di cliché, con un gruppo di personaggi anonimi e il tipo di dialogo che a ogni sceneggiatore viene insegnato di non scrivere, quel tipo che dice ogni cosa due volte e non lascia nulla di implicito all'attore o alla cinepresa. Certamente avrai avuto le tue ragioni, ma – per usare una frase coniata un tempo da Max Beerbohm – servirebbe “una mente molto meno brillante della mia” per indovinare quali siano state.
A prescindere dal fatto che il mio nome compaia o meno nei titoli sullo schermo, non temo affatto che qualcuno possa pensare che io abbia scritto questa roba. Tutti capiranno benissimo che non l'ho fatto. Non mi sarebbe importato di nulla se tu avessi prodotto una sceneggiatura migliore, credimi. Ma se volevi qualcosa di così scialbo e all'acqua di rose, perché diavolo ti sei preoccupato di venire da me in primo luogo? Che spreco di soldi! Che spreco di tempo! E che io sia stato ben pagato non è una consolazione. Nessuno può essere pagato abbastanza per perdere il proprio tempo.

(firmato, “Raymond Chandler”)

La maggioranza degli Americani

2012-01-20T12:00:00.000+01:00

Il 2011 al cinema

2012-01-01T01:00:00.001+01:00

Quella che si è appena conclusa è stata un'annata cinematografica davvero ottima, come non se ne incontravano da tempo: che dopo un decennio "buio" si cominci a rivedere la luce? Il merito, ovviamente, non è né del 3D (anche se finalmente è arrivato il primo film in cui la tridimensionalità ha una sua ragion d'essere e rappresenta un valore aggiunto: sto parlando dell'ottimo documentario "Pina" di Wim Wenders) né in generale del cinema hollywoodiano o degli effetti speciali, senza idee e in balia di sequel e remake (sono poche, infatti, le pellicole "d'intrattenimento" che hanno lasciato il segno: fra le migliori ricordo "X-Men: l'inizio" di Matthew Vaughn e il primo episodio de "Le avventure di Tintin" di Steven Spielberg, che è anche nettamente il miglior film d'animazione del 2011) bensì, come è giusto che sia, del cinema d'autore. La mia palma personale per il miglior lungometraggio visto sul grande schermo nello scorso anno se la contendono due pellicole: alla fine, mi sento di incoronare "Melancholia" di Lars von Trier, mentre al secondo posto ci metterei "Il cigno nero" di Darren Aronofsky. Altri eccellenti titoli visti nel 2011 sono stati l'iraniano "Una separazione" di Asghar Farhadi, il russo "Faust" di Aleksandr Sokurov e il britannico "Shame" di Steve McQueen (passato al festival di Venezia: nelle nostre sale arriverà a gennaio). Ma la lista dei bei film è particolarmente lunga: da "Hereafter" di Clint Eastwood a "Poetry" di Lee Chang-dong, da "Offside" di Jafar Panahi (del 2006, ma uscito soltanto ora) ad "Atmen" di Karl Marcovics, da "E ora dove andiamo?" di Nadine Labaki (anche questo arriverà nelle nostre sale solo a gennaio 2012) a "Drive" di Nicolas Winding Refn, da "Carnage" di Roman Polanski a "La pelle che abito" di Pedro Almodovar, da "Polisse" di Maïwenn a "Tomboy" di Céline Sciamma, da "Miracolo a Le Havre" di Aki Kaurismaki a "The artist" di Michel Hazanavicius. E personalmente ci aggiungo pure "Ladri di cadaveri" di John Landis! Certo, l'anno ha anche riservato qualche delusione: il cinema italiano, per esempio. Mi aspettavo di più dai film di Nanni Moretti ("Habemus papam") e Paolo Sorrentino ("This must be the place"): non brutti, intendiamoci, ma non all'altezza dei loro lavori precedenti. Quanto alle note dolenti, personalmente boccio senza troppe riserve sia "Il discorso del re" di Tom Hooper che "The tree of life" di Terrence Malick. Ma il film peggiore del 2011 è stato "La source des femmes" di Radu Mihaileanu. Infine, qualche parola sugli interpreti. L'attore dell'anno per me è stato Michael Fassbender: straordinario in "Shame", ha brillato anche in "X-Men: l'inizio" e "A dangerous method", dimostrando una grande versalità (si tratta di tre ruoli molto diversi l'uno dall'altro). Per la miglior attrice, azzarderei un ex aequo fra Natalie Portman ("Il cigno nero"), Kirsten Dunst e Charlotte Gainsbourg (entrambe in "Melancholia").

Corto-circuiti cinemusicali 3

2011-12-23T10:05:00.002+01:00

Per una volta facciamo a meno dei video, visto che la citazione è soltanto visiva.

Da Metropolis ai King Crimson
(passando per il parco di Bomarzo)

La bocca del Moloch che si vede nel film "Metropolis" di Fritz Lang (1927) è forse ispirata all'Orco del parco dei mostri di Bomarzo? Probabile. Così come è probabile che il parco stesso abbia ispirato la copertina del disco "In the Court of the Crimson King" (1969), l'album di debutto dei King Crimson.

Già che ci siamo, vi propongo anche una scena di un film addirittura precedente a quello di Lang, ovvero "Cabiria" (1914) di Giovanni Pastrone:

(La foto di Bomarzo è di Andrea Marutti)

Cortocircuiti cine-musicali 2

2011-12-15T20:25:00.000+01:00

Eccoci giunti al secondo appuntamento con questa rubrica che mette in luce strani collegamenti nel mondo della musica e del cinema.

Da Bach a Kelly Chen
(passando per Giorgio Moroder e The Toys)

Cominciamo con Johann Sebastian Bach.

Si tratta del celebre "Minuetto in Sol maggiore" (BWV Anh. 114) tratto dal "Quaderno di Anna Magdalena Bach" del 1725. Il compositore aveva regalato questo libretto, sul quale aveva scritto alcune sue composizioni, alla sua seconda moglie Anna. Nel 1984, Giorgio Moroder ne sfruttò il tema per un brano ("The duel") della colonna sonora del film "Electric Dreams" di Steve Barron, pellicola che raccontava la storia di un triangolo amoroso fra un ragazzo, una ragazza e... un computer (!). Ecco la scena in oggetto (l'attrice protagonista è Virginia Madsen):

A proposito, la melodia non vi ricorda qualcosa? Ma certo, la celebre canzone romantica "A Lover's Concerto" dei Toys! (da notare il busto di Bach che compare nel video che segue, un modo per riconoscere il debito verso il musicista tedesco da parte degli autori del brano, Sandy Linzer e Denny Randell).

Di "A Lover's Concerto" esistono numerosissime versioni: per esempio quelle delle Supremes, delle Blossoms, di Cilla Black. Ottima, in particolare, quella di Sarah Vaughan:

Una delle mie preferite è però quella cantata da Kelly Chen nel film hongkonghese "Anna Magdalena", diretto nel 1998 da Yee Chung-Man e interpretato dalla stessa Kelly al fianco di Takeshi Kaneshiro e Aaron Kwok. La trama della pellicola, il cui titolo è naturalmente il nome della moglie di Bach, è incentrata proprio sul celebre minuetto, chiudendo così il nostro cortocircuito.

Potremmo finirla qui, ma se vi interessa potete ascoltare altre versioni di "A Lover's Concerto" in varie lingue: in spagnolo (Karina), in tedesco (Alma Cogan), in italiano (Neil Sedaka) e in coreano (Park Hye Kyung).

La cosa più buffa, comunque, è che in realtà (colpo di scena!) il brano originale non è affatto di Bach!
Alla fine degli anni settanta, infatti, si scoprì che la grafia con cui era stato scritto nel quaderno di Anna Magdalena non è quella del compositore. Bach aveva riempito con i suoi brani solo le prime pagine del libretto, lasciando molte altre pagine bianche in modo che Anna e gli altri membri della famiglia potessero aggiungervi o copiarvi altri lavori che erano soliti suonare. Gli esperti attribuiscono ora il minuetto a Christian Petzold.

La prima del Don Giovanni

2011-12-08T11:55:00.005+01:00

In attesa di andare a vederlo dal vivo a gennaio (ebbene sì, in qualche modo sono riuscito a trovare due biglietti!), spendo due parole sulla "prima" del Don Giovanni di ieri sera alla Scala, seguita attraverso la benemerita diretta di Rai 5 (se c'è una cosa buona del proliferare di canali televisivi dovuto all'avvento del digitale terrestre, è l'aver reso di nuovo possibile la trasmissione di programmi culturali che – in nome dei dati Auditel – non trovano più spazio sulle reti generaliste, anche quando si tratta di eventi importanti come questo).

Sulla musica di Mozart c'è poco da aggiungere a quanto già detto negli ultimi duecento anni (e poi, sull'argomento intendo scrivere prima o poi una serie di post sul mio blog Opera Omnia), e i cantanti complessivamente mi sono piaciuti (le maggiori ovazioni le ha ricevute l'ambigua Donna Anna interpretata da Anna Netrebko – nomen omen: sempre bella, ma l'ho trovata decisamente ingrassata – ma i migliori mi sono parsi l'indomita Donna Elvira di Barbara Frittoli e lo strafottente Don Giovanni di Peter Mattei, il quale oltre ad amare, a mangiare e a bere, in scena fuma anche). La direzione di Daniel Barenboim non è stata eccezionale, e a dire il vero non mi ha emozionato più di tanto. La grande novità era l'allestimento, visto che si trattava di una nuova produzione, con la regia di Robert Carsen che ha posto l'accento sulla "complicità" delle donne che vengono sedotte dal libertino (e se quella di Zerlina e di Donna Elvira era già suggerita dal libretto di Lorenzo Da Ponte, anche Donna Anna – nell'incipit – viene mostrata come assolutamente partecipe e niente affatto vittima di violenza da parte dell'ignoto corteggiatore: al punto che è evidente come menta quando, più tardi, racconta a Don Ottavio come si sono svolti i fatti). Ha fatto parlare parecchio anche la scelta, nel finale, di mostrare Don Giovanni – o meglio il suo mito, il suo archetipo – sopravvivere anche dopo la discesa all'inferno per farsi beffe del resto del mondo, dei "benpensanti" che gli hanno appena cantato la morale ("Questo è il fin di chi fa mal", il famoso finale eliminato da Mozart quando l'opera venne eseguita a Vienna), come se il "dissoluto punito" non fosse lui ma tutti noi.

Tornando alla regia, sono molte le trovate proposte: lo specchio sul palco che riflette l'intero teatro (Carsen ha dichiarato di aver voluto rendere "omaggio alla Scala": si spiegano così i colori delle scenografie, che richiamano quelli degli arredi della sala, e la presenza, in mano a Donna Anna nel secondo atto, del programma di scena); i personaggi che si muovono anche fuori dal palcoscenico, fra i corridoi, i palchi e i posti a sedere; la scelta di far cantare il Commendatore, cioè il "convitato di pietra" – nella scena del cimitero – direttamente dal palco reale, fra il Presidente Napolitano e il Premier Monti; i continui cambi di abiti dei personaggi davanti al pubblico – e se lo scambio di vestiti fra Don Giovanni e Leporello all'inizio del secondo atto è previsto dal libretto, più volte vediamo i personaggi spogliarsi e rivestirsi mentre cantano, con lo stesso Don Giovanni perennemente seguito da un attaccapanni su rotelle con tutto il suo guardaroba; la cameriera di Donna Elvira – personaggio che viene citato nel testo ma che di solito non appare in scena – a un certo punto rimane addirittura nuda (insomma: è evidente che a questo Don Giovanni i "piacevoli progressi" non "vanno mal tutti quanti"). I costumi erano moderni, a eccezione degli abiti di velluto rosso nella scena del ballo in maschera, e le scenografie asciutte ed essenziali. Nel complesso mi è piaciuto, anche se speravo in qualcosa di meglio soprattutto dal punto di vista musicale (su regia e allestimento sono piuttosto "neutro", visto che mi piacciono le contaminazioni e mi rendo conto che con opere come queste è impensabile rifare sempre le stesse cose): rimando il giudizio definitivo a quando lo vedrò in teatro.

Cortocircuiti cine-musicali 1

2011-12-03T09:40:00.005+01:00

Inauguro una rubrica estemporanea che intende mettere in luce strani e assurdi collegamenti che uniscono – attraverso film e musiche – i personaggi più impensati e improbabili, o anche solo per segnalare bizzarre scelte musicali nelle colonne sonore dei film. Cominciamo con...

Da Al Bano a Kitano
(passando per Miyuki Nakajima)

Qualcuno – spero in pochi! – si ricorderà di questa canzone di Al Bano e Romina Power ("Abbandonati", dall'album "Che angelo sei" del 1982):

E si sarà forse stupito di ritrovarla, cantata in giapponese, in un film di Takeshi Kitano, "Boiling Point" del 1990:

Forse che Beat Takeshi è segretamente un fan di Al Bano e Romina? No, per fortuna la spiegazione è più semplice, e ci viene fornita dall'anello mancante. La canzone della coppia italo-americana è infatti una cover di un brano della cantante giapponese Miyuki Nakajima, "Akujo". Ed è proprio di questo brano che il personaggio del film di Kitano esegue una versione al karaoke:

E tanto per rincarare la dose, ecco pure una versione di "Abbandonati" in spagnolo:

Le censure di Tintin

2011-11-01T17:55:00.012+01:00

In occasione dell'uscita del bel film di Steven Spielberg, ripropongo qui un testo che avevo scritto anni fa per sottolineare le differenze – spesso molto interessanti e significative dal punto di vista culturale – che si possono osservare nelle varie edizioni degli albi de "Le avventure di Tintin" di Hergé, probabilmente il più celebre eroe del fumetto franco-belga. Tutte le prime storie del personaggio, infatti, per diversi motivi furono rimaneggiate, modificate o addirittura ridisegnate dall'autore nel corso degli anni, in occasione delle varie ristampe in diversi formati nel secondo dopoguerra.

Il personaggio nasce in Belgio nel 1929 su una rivista per ragazzi in bianco e nero, "Le Petit Vingtième" (supplemento del quotidiano cattolico "Le XXe Siècle"), che pubblicava le sue avventure come se si trattassero dei reportage di un inviato speciale della rivista in paesi stranieri ed esotici. Le prime storie erano un po' pedanti e piene della retorica di quel tempo. Per esempio, nell'avventura in Congo (allora colonia belga) Tintin insegnava ai bambini africani ad amare "la loro vera patria, il Belgio"!

Dopo la seconda guerra mondiale, quando le avventure di Tintin cominciarono a essere ristampate in volume e a colori (i classici cartonati alla francese), Hergé decise di ridisegnare quasi interamente le prime storie, vuoi perché il suo vecchio tratto era troppo datato, vuoi per eliminare alcune di quelle sequenze "scomode", vuoi perché il suo metodo di lavoro era cambiato (l'autore dedicava ora molto più tempo a documentarsi con cura prima di realizzare una storia). In alcuni casi si trattava anche di modifiche necessarie per esigenze narrative o per rientrare nel giusto numero di pagine (i volumi ne prevedono rigorosamente 62, mentre le prime storie pubblicate su rivista non avevano una lunghezza fissa). Da notare che la primissima storia, "Tintin nel paese dei Soviet" non fu mai riadattata e ristampata a colori: Hergé preferì abbandonarla del tutto, giudicandola un "peccato di gioventù", essendo troppo intrisa dei sentimenti anti-bolscevichi dell'epoca. Le edizioni attualmente in commercio contengono le versioni più recenti, ma nel corso degli anni sono apparsi alcuni volumi per collezionisti e appassionati che ripropongono le versioni originali in bianco e nero.

Ma scendiamo nei dettagli e vediamo quali sono esattamente le sequenze modificate nelle varie versioni.

-Tintin au pays des Soviets (Tintin nel paese dei Soviet, 1929)
Questo è l'unico albo che non è stato riproposto a colori dalle edizioni Casterman. Di questa avventura esiste pertanto soltanto la versione apparsa su rivista, ripubblicata in un volume in bianco e nero per gli appassionati nel 1981.

-Tintin au Congo (Tintin in Congo, 1930)
Nel 1946 Hergé ha completamente ridisegnato la storia, facendola passare dalle originali 110 tavole in bianco e nero alle 62 a colori degli albi standard. Fra le numerose modifiche, da segnalare l'eliminazione di molti dettagli a favore del colonialismo. La lezione che Tintin teneva in una scuola africana ("Miei cari amici, oggi vi parlerò della vostra patria: il Belgio...") diventa adesso una lezione di matematica ("Quanto fa due più due?"). Il disegno si fa più curato e i dialoghi più fluidi. In seguito la storia subì un'ulteriore modifica, con l'eliminazione di una tavola in cui Tintin, a caccia di rinoceronti, ne faceva esplodere uno con la dinamite!

-Tintin en Amérique (Tintin in America, 1931)
Anche questa storia è stata ridisegnata, rimontata e colorata nel 1945. Le modifiche, in questo caso, sono soprattutto "di mestiere", e confrontando le due versioni si può notare come in pochi anni la padronanza di Hergé del media fumetto fosse notevolmente aumentata.

-Les cigares du pharaon (I sigari del faraone, 1932)
Ridisegnata e colorata nel 1955. In particolare una lunga sequenza con Tintin alle prese con un sotterraneo pieno di serpenti (Indiana Jones ante litteram!) viene eliminata per esigenze di spazio. Inoltre c'è una curiosità: nella vignetta in cui Tintin incontra lo sceicco sotto la tenda, questi afferma di essere un ammiratore del reporter e gli mostra un albo con le sue avventure. Se nell'edizione del 1932 gli mostrava "Tintin in America", nel 1955 gli mostra "Tintin in Congo". Ma successivamente Hergé modifica ancora la vignetta e ora lo sceicco mostra a Tintin l'albo di "Obiettivo Luna", un'avventura che il ragazzo non solo non ha ancora vissuto, ma dove sono presenti personaggi come il capitano Haddock e il professor Girasole che non ha ancora conosciuto: un vero paradosso temporale!

-Le lotus bleu (Il drago blu, 1933)
Questo è l'albo dove ci sono maggiori differenze nel disegno fra le due versioni. Nell'edizione del 1946 Hergé rimedia alla carenza di documentazione che lo aveva portato a disegnare una Cina assai stereotipata, e fornisce una prova magistrale per quanto riguarda sfondi, palazzi, ideogrammi, ecc. Si può dire che è proprio dalla seconda versione di questo albo che le avventure di Tintin assumono quella ricchezza di dettagli che le caratterizzaranno in seguito.

-L'oreille cassée (L'orecchio spezzato, 1935)
Poco da dire su questa storia, ridisegnata senza grossi cambiamenti.

-L'île noire (L'isola nera, 1937)
Viene ristampata nel 1943 nel nuovo formato di 62 pagine a colori (contro le 128 in bianco e nero della prima versione) senza particolari modifiche se non il rimontaggio delle tavole. Ma poi, nel 1965, Hergé la ridisegna completamente per un'ulteriore nuova versione, a causa delle pressioni ricevute dall'editore inglese Methuen. La storia, che si svolge in Scozia, per i britannici presentava infatti troppe inesattezze. Così Hergé inviò in Gran Bretagna il suo collaboratore Bob De Moor, che visitò tutti i luoghi in cui si svolgeva l'avventura e fece schizzi, fotografie e appunti riguardanti l'aspetto delle scogliere sulla costa, le targhe delle automobili, i ponti ferroviari, le uniformi dei poliziotti, i carri dei pompieri, e così via. L'albo fu totalmente rivisto, con una cura senza precedenti per i dettagli.

-Le sceptre d'Ottokar (Lo scettro di Ottokar, 1938)
Quando l'albo venne ristampato a colori, Hergé ne approfittò per ridisegnare molte sequenze, migliorando gli sfondi e soprattutto "balcanizzando" uniformi e costumi della Syldavia.

-Le crabe aux pinces d'or (Il granchio d'oro, 1940)
Quest'albo è memorabile perché compare per la prima volta il capitano Haddock. Su richiesta degli editori americani, Hergé eliminò alcune sequenze in cui si vedeva il capitano che beve dalla bottiglia (la bevuta rimane, ma fuori campo!) e cambiò una vignetta in cui Allan lo faceva frustare da uno schiavo di colore, ora "trasformato" in un pirata dalla pelle bianca.

-L'etoile mystérieuse (La stella misteriosa, 1942)
Si tratta della prima avventura pubblicata in volume direttamente a colori e nel formato a 62 pagine. Visto il successo ottenuto, tutte le precedenti storie – come abbiamo visto – vennero rimontate e/o ridisegnate e colorate per adeguarle al nuovo formato. Hergé comunque non fu soddisfatto della colorazione e la fece rifare diversi anni più tardi. In quella occasione cambiò anche la bandiera della spedizione "rivale" di quella europea. Nel 1942, infatti, il Belgio era occupato dai nazisti e dunque Hergé aveva dovuto mettere gli americani nella parte dei cattivi. Nell'edizione successiva, al posto della bandiera americana compare quella dello stato immaginario di Sao Rico.

-Le secret de La Licorne (Il segreto del Liocorno, 1942)
-Le trésor de Rackham le Rouge (Il tesoro di Rakam il Rosso, 1943)
È l'avventura su cui si basa il film di Steven Spielberg. Hergé dichiarò in alcune occasioni che questo doppio episodio era il suo preferito. Lo testimonia il fatto che dalla pubblicazione su rivista a quella in volume non ha subito cambiamenti di rilievo (giusto la modifica dei dialoghi di "passaggio" fra la prima e la seconda parte, con Tintin che invita il lettore a procurarsi il volume successivo per sapere come si concluderà l'avventura, mentre nella versione originale annunciava una pausa di un mese e l'avvio di una nuova serie).

-Les sept boules de cristal (Le sette sfere di cristallo, 1943, terminato nel 1946)
La pubblicazione su rivista di questa storia venne interrotta nel 1944 a causa della guerra per essere poi ripresa e portata a termine nel 1946. Nell'edizione in volume viene eliminata una buffa sequenza in cui il capitano a Haddock a teatro rimane "vittima" di un indovino.

-Le temple du soleil (Il tempio del sole, 1946)
È il seguito della precedente. Anche in questo caso mancano dall'edizione finale alcune sequenze che mostrano i nostri eroi nella giungla (una in cui il capitano Haddock mastica foglie di coca e una in cui si riempie le tasche di pepite d'oro trovate nelle grotte del Tempio degli Incas).

-Tintin au pays de l'or noir (Tintin nel paese dell'oro nero, 1939, terminato nel 1948)
È probabilmente la storia di Tintin che ha passato più traversie editoriali. La prima edizione risale addirittura al 1939, ancora in bianco e nero, e doveva seguire "Lo scettro di Ottokar". La guerra fece però cessare le pubblicazioni della rivista sulla quale appariva a puntate, con la storia interrotta a metà. Nel 1948 Hergé decise di completarla e, già che c'era, di ridisegnare la parte già esistente. Ma nel frattempo molte cose nelle avventure di Tintin erano cambiate: adesso c'erano Haddock, Girasole, il castello di Moulinsart, tutti elementi che i lettori si sarebbero stupiti di non trovare nella storia. Così Hergé cercò in qualche modo di reinserirli o almeno di motivare la loro assenza nella prima parte dell'albo. Per esempio, all'inizio dell'avventura Haddock sparisce di colpo per ricomparire dopo una cinquantina di pagine: il buffo è che quando Tintin chiede al capitano dove è stato per tutto quel tempo, Haddock cerca di spiegarglielo ma non ci riesce, limitandosi a dire che "è semplice e complicato allo stesso tempo...". Ma nel 1969, ecco che la storia viene modificata di nuovo! Il solito editore inglese, Methuen, chiede ad Hergé di eliminare alcuni elementi che adesso suonano "scomodi", in particolare il fatto che ebrei e arabi combattano contro gli inglesi (o fra di loro) nella Palestina del 1940 che era sotto occupazione britannica, prima della creazione dello stato di Israele. E così il conflitto viene modificato e diventa quello fra due emiri rivali che lottano per diventare califfi. Già che c'era, Hergé ridisegna molti particolari, in particolare tutte le uniformi militari, le navi e altri dettagli.

-Objectif Lune (Obiettivo Luna, 1950)
-On a marché sur la Lune (Uomini sulla Luna, 1951)
In questa memorabile doppia storia, la censura intervenne soprattutto su un particolare: la lettera che l'ingegner Wolff lascia prima di abbandonare il razzo e di perdersi nello spazio. La frase "Forse per qualche miracolo riuscirò anche io a sopravvivere..." fu imposta a Hergé (come raccontò lui stesso in un'intervista) da "benpensanti che erano turbati dal fatto che stavo mostrando un suicidio. Ma niente affatto, era un sacrificio! Forse la chiesa rifiuta un posto in paradiso al soldato che si fa esplodere insieme al ponte? Ma per uscire da quell'impasse dovetti aggiungere quella stupida frase sul fatto che Wolff potesse scamparla per miracolo. Nessun miracolo era possibile: Wolff era condannato e lo sapeva meglio di chiunque altro".

-L'affaire Tournesol (L'affare Girasole, 1954)
Nessuna modifica sostanziale da segnalare per quest'albo.

-Coke en stock (Coke in stock, 1956)
Questa storia causò ad Hergé diversi problemi. Venne infatti accusato di razzismo perché nell'albo appaiono alcuni africani che parlano (al capitano Haddock) in modo piuttosto stereotipato. Per evitare controversie, Hergé modificò le frasi degli africani ma non quelle di Haddock che rispondeva loro usando lo stesso tipo di linguaggio.

-Tintin au Tibet (Tintin nel Tibet, 1958)
Da questo albo Hergé eliminò una lunga scena con Haddock alle prese con i fuochi d'artificio. Dovette inoltre modificare il logo sull'aereoplano precipitato: un rappresentante della compagnia Indian Airways si era lamentato per la pubblicità negativa ("È scandaloso, nessuno dei nostri aerei è mai precipitato!"). Hergé lo modificò in "Sari-Airways" ma disse che in India operavano così tante compagnie aeree che era possibile che anche questa esistesse davvero...

-Les bijoux de la Castafiore (I gioielli della Castafiore,1961)
-Vol 714 pour Sydney (Volo 714 destinazione Sydney, 1966)
-Tintin et les Picaros (Tintin e i Picaros, 1976)
Per questi ultimi volumi le modifiche sono avvenute solo in fase di lavorazione, e gli albi sono usciti con l'aspetto che hanno ancora oggi.

-Tintin et l'Alph-Art (iniziata nel 1978)
Hergé è morto nel 1983 lasciando incompleta quest'ultima storia, che però è stata pubblicata nella sua versione a matita e layout, con sceneggiatura a fianco.

Bibliografia:
Benoît Peeters, "Tintin et le monde d'Hergé", Casterman 1983.

Misura per misura

2011-10-27T20:40:00.001+02:00

Ieri ho assistito al Piccolo di Milano (ma la produzione era del Teatro Stabile di Genova) a una rappresentazione di "Misura per misura". Considerata, insieme con "Tutto e bene quel che finisce bene" e "Troilo e Cressida", una delle tre ‘opere problematiche’ (problem plays) di William Shakespeare per la difficoltà nel caratterizzarne il genere (presenta infatti personaggi ed elementi tipici della commedia, ma anche temi e situazioni ben più complessi e tragici, al punto che basta davvero poco – nelle scelte di regia, di recitazione o di allestimento – per spostare gli equilibri e darne una connotazione oscura o inquietante), racconta una vicenda che, come capita spesso con il Grande Bardo, risulta ancora di incredibile attualità (gli argomenti sono quelli dell’abuso di potere e del rispetto della legge). Ogni volta che mi avvicino a un’opera di Shakespeare, infatti, mi stupisco della sua modernità: non a caso i suoi lavori vengono rappresentati con tanta frequenza e si prestano quasi naturalmente a essere ambientati in ogni epoca o in ogni parte del mondo (come hanno dimostrato le numerose trasposizioni cinematografiche da parte di grandi registi come Kurosawa, Welles, Polanski, Branagh, per citarne solo qualcuno, che ne hanno talvolta spostato il setting senza mai danneggiare la potenza dei contenuti). Dello spettacolo che ho visto ieri (la regia era di Marco Sciaccaluga, le scene di Jean-Marc Stehlé e Catherine Rankl, gli interpreti principali Eros Pagni, Alice Arcuri e Roberto Alinghieri) mi sono piaciute molte cose: le scenografie, che come nella tradizione del Piccolo erano semplici e minimaliste ma di grande efficacia (una struttura lignea, con scale e piattaforme, divisa in moduli che ruotavano e si ricombinavano a seconda delle esigenze per dare vita di volta in volta a conventi, bordelli, prigioni o palazzi ducali); i leggeri tocchi di modernità (negli abiti, negli oggetti), abbastanza limitati da non dare fastidio ma sufficenti a sottolineare come la vicenda potrebbe anche svolgersi al giorno d’oggi; gli inserti musicali e le luci; le interpretazioni disinvolte e naturali (non pochi sono i personaggi di contorno comici e sgrammaticati, tipicamente shakesperiani); e naturalmente la dinamicissima vicenda congegnata dall’autore, che non risparmia attacchi – diretti o indiretti, sarcastici o affettuosi – a tutte le parti in gioco: che si tratti di personaggi severi o clementi, giusti o ipocriti, puri o licenziosi, sinceri o menzogneri.

Shanghai Devil 1

2011-10-11T21:50:00.001+02:00

Fa una certa impressione leggere, a pochi giorni dalla sua scomparsa, un'introduzione scritta da Sergio Bonelli per il primo numero di una nuova collana. Quello che è forse è stato il più grande editore italiano di fumetti di sempre è morto il 26 settembre, mentre questo albo introduttivo di "Shanghai Devil" è uscito nelle edicole l'8 ottobre: ci sarebbe stato tutto il tempo per sostituire le righe già stese dall'editore con un comunicato che ne annunciasse la scomparsa, identico a quelli che senza dubbio verranno ospitati nei prossimi giorni sulle seconde di copertina degli altri albi della casa editrice. Ma probabilmente è stato meglio così: gli omaggi funebri possono attendere, mentre sarebbe stato ingiusto privare questa nuova collana della consueta presentazione di un editore che, conoscendo la sua passione per l'avventura vecchio stile, ne avrà sicuramente caldeggiato la nascita con particolare favore. Si tratta di una miniserie in diciotto capitoli, con la quale lo sceneggiatore Gianfranco Manfredi torna a collocare una vicenda in un setting storico, offrendo ai lettori un seguito della precedente "Volto nascosto". Se quella serie si svolgeva in Etiopia e a Roma ai tempi della prima guerra coloniale italiana (ovvero alla fine dell'ottocento), questa invece si colloca in Cina durante la cosiddetta rivolta dei boxer. Il protagonista è lo stesso, il giovane Ugo Pastore, che dopo le esperienze precedenti ha deciso di seguire il consiglio del padre, agente di una compagnia commerciale, e di trasferirsi con lui in estremo oriente per aiutarlo a curare i suoi interessi. Come nella precedente serie, lo scenario storico-politico fa da sfondo a una vicenda piena di intrighi e di misteri che coinvolgono personaggi dall'identità celata: al posto di Volto Nascosto (la cui maschera è ora indossata da Ugo) c'è Tai Mien, misterioso guerriero che si batte contro l'occupazione straniera della Cina. È presto per dire se la vicenda, che nel primo albo sembra presentare un po' troppi punti in comune con la miniserie precedente (in sostanza cambia solo l'ambientazione), si dipanerà in modo differente. Resta il fatto che, almeno dal punto di vista dei testi, gli albi scritti da Manfredi continuano a essere fra quelli più documentati e curati nell'attuale produzione Bonelli.

Usciamo dal tunnel

2011-09-24T10:00:00.015+02:00

L'annuncio, da parte dei ricercatori del CERN (l'organizzazione europea per la ricerca nucleare), che alcuni neutrini "sparati" dal Super Proton Synchtroton svizzero verso il laboratorio del Gran Sasso nell'ambito dell'esperimento OPERA avrebbero coperto la distanza di 730 chilometri viaggiando a una velocità superiore a quella della luce (per la precisione con un anticipo di 60 nanosecondi – cioè miliardesimi di secondo – rispetto ai 2,4 millisecondi previsti, ovvero con una velocità superiore dello 0,002% a quella della luce; l'incertezza sulla misura sarebbe invece intorno ai 15 nanosecondi) ha scatenato da un lato l'entusiasmo dei titolisti dei quotidiani (che si sono accaniti in particolare sul povero Einstein) e dall'altro la cautela degli stessi scienziati, che dopo aver verificato più volte i risultati e apparentemente escluso errori di misura, hanno invitato i colleghi di tutto il mondo a ripetere l'esperimento per confermare la stupefacente scoperta, che in effetti – se fosse vera – è destinata a rivoluzionare gran parte della fisica moderna. Personalmente, come gli scienziati (alcuni dei ricercatori del CERN hanno addirittura rifiutato di firmare l'annuncio dei risultati perché li ritengono ancora preliminari) e a differenza dei giornalisti, sono un po' scettico e aspetterei conferme indipendenti prima di buttare a mare la teoria della relatività, ma il bello della scienza è che è sempre in grado di migliorarsi e di smentire sé stessa, cosa che non sembrano capaci di fare né il giornalismo né soprattutto la politica.

Il ministro italiano dell'istruzione e della ricerca, Mariastella Gelmini, si è infatti affrettata a diramare un comunicato nel quale, oltre naturalmente a non mancare di prendersi parte del merito della scoperta e a metterla subito sul piano economico, dimostra di non aver capito bene di cosa si sta parlando, visto che contiene una perla destinata a rimanere negli annali della comunicazione scientifica:

Ministero dell'Istruzione, dell'Università e della Ricerca
Ufficio Stampa

Roma, 23 settembre 2011

Dichiarazione del ministro Mariastella Gelmini
"La scoperta del Cern di Ginevra e dell'Istituto Nazionale di Fisica Nucleare è un avvenimento scientifico di fondamentale importanza."

Rivolgo il mio plauso e le mie più sentite congratulazioni agli autori di un esperimento storico. Sono profondamente grata a tutti i ricercatori italiani che hanno contribuito a questo evento che cambierà il volto della fisica moderna.
Il superamento della velocità della luce è una vittoria epocale per la ricerca scientifica di tutto il mondo.

Alla costruzione del tunnel tra il Cern ed i laboratori del Gran Sasso, attraverso il quale si è svolto l'esperimento, l'Italia ha contribuito con uno stanziamento oggi stimabile intorno ai 45 milioni di euro.

Inoltre, oggi l'Italia sostiene il Cern con assoluta convinzione, con un contributo di oltre 80 milioni di euro l'anno e gli eventi che stiamo vivendo ci confermano che si tratta di una scelta giusta e lungimirante.

Il celebre tunnel fra il CERN e il Gran Sasso.

Kafka sulla spiaggia

2011-09-13T09:25:00.000+02:00

Di Haruki Murakami (uno dei favoriti, almeno secondo le agenzie che accettano scommesse, per la vittoria del premio Nobel per la letteratura di quest'anno) avevo finora letto con piacere il romantico "Tokyo Blues" (noto anche con il titolo originale, "Norwegian Wood") e il surreale "Dance dance dance". Questo "Kafka sulla spiaggia", romanzo che – fra le altre cose – ha vinto nel 2006 il prestigioso World Fantasy Award, mi è forse piaciuto anche più dei precedenti. C'è chi lo ha definito un thriller metafisico e postmoderno, nel filone del "realismo magico": un affascinante doppio racconto di esplorazione, crescita e conoscenza di sé stessi, sospeso fra sogno e realtà, nel quale il lettore è condotto attraverso due diverse storie (una si dipana nei capitoli pari, l'altra nei capitoli dispari) che scorrono parallele per lungo tempo prima di incontrarsi, o meglio sovrapporsi, a modo loro. Nella prima seguiamo "Kafka" Tamura, quindicenne scappato di casa per sfuggire a una terribile profezia che rievoca quella di Edipo; nella seconda i riflettori sono puntati su Nakata, un bizzarro vecchietto che ha perso gran parte delle proprie facoltà mentali dopo essere rimasto vittima di uno strano incidente quando era bambino, durante la seconda guerra mondiale, acquisendo in cambio la capacità di parlare con i gatti. Entrambi i personaggi raggiungeranno da Tokyo la città di Takamatsu (nello Shikoku, la più piccola delle quattro isole maggiori dell'arcipelago nipponico), dove si trova una piccola biblioteca privata gestita dalla sfuggente signora Saeki. Qui si svolgerà lo scontro finale con forze misteriose "al di là del bene e del male". L'eccezionale stile narrativo di Murakami evoca atmosfere al tempo stesso reali e oniriche, e crea un mondo dove le risposte hanno forse meno importanza delle domande. Ma lo sforzo del lettore nel comprendere e interpretare le vicende che vengono narrate non è mai frustrato, semmai stimolato dall'accumulo di simboli, presagi e sogni che si fondono in maniera originale e convincente con la realtà concreta e palpabile. Grandiosi anche i personaggi di contorno, ottimamente caratterizzati, fra i quali spiccano l'ambiguo bibliotecario Oshima e il simpaticissimo camionista Hoshino. Come al solito con i lavori di Murakami, il romanzo è ricco di riferimenti letterari (a partire dal titolo!), musicali, cinematografici, o semplicemente culturali (basti pensare all'aspetto e al nome – Johnnie Walker, colonnello Sanders – che assumono i "concetti" psichichi, buoni e cattivi, con cui i personaggi hanno a che fare).

La voce del padrone

2011-09-09T10:40:00.000+02:00

Scritto da Stanislaw Lem (l'autore di "Solaris") nel 1968, e dunque in piena Guerra Fredda, questo atipico romanzo di fantascienza risulta ancora estremamente attuale, visto che temi quali le ingerenze dello stato e della politica nella scienza e nella ricerca (con la pretesa di ottenere sempre e comunque risultati e applicazioni da sfruttare a fini bellici o economici) sono oggi più forti che mai. Lo spunto di partenza sembra anticipare quello di un film che uscirà trent'anni dopo, "Contact" di Robert Zemeckis: alcuni astrofisici americani captano un misterioso segnale (neutrinico!) proveniente dallo spazio profondo, la cui struttura a ripetizione lascia intendere che possa essere stato inviato da una civiltà aliena. Radunati dal governo degli Stati Uniti e rinchiusi in una gigantesca base militare top secret, nel bel mezzo del deserto del Nevada, scienziati di ogni branca e di ogni disciplina si arrovellano nel tentativo di decifrare il "messaggio proveniente dalle stelle", di cui si ignora scopo e contenuto. Fra mille speculazioni, false piste, risultati parziali ed effimeri successi, ben presto sorgono innumerevoli questioni scientifiche, filosofiche, morali e intellettuali, il tutto mentre i ricercatori devono fronteggiare le sempre più forti pressioni politiche e militari che provengono dal mondo esterno, ma anche la propria hubris, le rivalità personali e interdisciplinari, la comprensione delle radici stesse della nostra civiltà. Nonostante la tanta carne al fuoco, la lettura scorre agile e veloce. La vicenda è raccontata in prima persona da uno degli scienziati protagonisti. Come capita spesso con i lavori di Lem, l'azione è più "mentale" che fisica, e i complessi ragionamenti e le vertiginose discussioni filosofiche o scientifiche tengono desta l'attenzione del lettore dall'inizio alla fine.

Cannes Lions 2011

2011-06-26T19:30:00.000+02:00

Sono stato per una settimana ai Cannes Lions, ovvero a quello che fino all'anno scorso era il Festival dell'Advertising e della Comunicazione, e che da quest'anno è stato ribattezzato Festival Internazionale della Creatività. Si tiene tradizionalmente qualche settimana dopo il Festival del Cinema ed è l'evento più importante per chi lavora nel campo pubblicitario: attira persone da tutto il mondo, che rendono ancora più internazionale l'atmosfera di una città già di per sé ricca e cosmopolita. Non ci ero mai stato, e ora ho avuto il piacere di alloggiare in un appartamento di tre stanze quasi sulla Croisette. Sono stati sette giorni (spesati e retribuiti) passati a seguire incontri e seminari organizzati dalle principali agenzie di pubblicità del mondo, con ospiti di prestigio e aggiornamenti sulle più recenti tendenze nel campo della tecnologia e della comunicazione, senza dimenticare il concorso per i migliori spot, annunci e campagne pubblicitarie, dove ho potuto toccare con mano quanto sia scarsa la produzione italiana (per originalità, coraggio, ironia e inventiva) rispetto a quella delle altre nazioni, soprattutto dei paesi in via di sviluppo.







Ed eccomi nella sala stampa.


Fra i seminari spiccavano quelli che ospitavano personaggi del calibro di Robert Redford e Patti Smith. C'è stata anche la proiezione di un film di Park Chan-wook ("Night fishing") girato interamente con l'Apple iPhone 4.



Ho mangiato pesce e crêpes... E non potevano mancare le ostriche!



Gran finale con il galà di chiusura sulla spiaggia del Carlton Hotel, con tanto di fuochi artificiali!

Terrence Malick al contrario

2011-06-08T14:50:00.008+02:00

Imperdibile questa segnalazione di Paolo Mereghetti, pubblicata oggi sul "Corriere della Sera". Dice molte più cose sul film in oggetto di quanto non possano fare le critiche e le satire.

Se nessuno si accorge che il film di Malick è proiettato al contrario

Sarebbe piaciuto ai surrealisti quello che è successo a Bologna al cinema Lumière. Loro che teorizzavano una visione "personalissima" del cinema e pensavano che l'ideale fosse entrare e uscire dalla sala per non farsi condizionare dalla storia che veniva raccontata sullo schermo o, in mancanza di meglio, suggerivano di schiacciare un pisolino per confondere sogni e visioni, loro avrebbero applaudito all'errore che per nove giorni ha trasformato il film di Terrence Malick "The Tree of Life" in un'altra cosa. In un altro film. Perché per tutti quei giorni le prime due bobine sono state viste nell'ordine sbagliato: prima la seconda e poi la prima. Errori che possono succedere soprattutto se il film arriva dal distributore nazionale con lo "scambio" incorporato: nella custodia col numero uno c'era la seconda parte e viceversa. Ma errori che di solito si correggono dopo la prima proiezione o addirittura in corsa, durante lo spettacolo. E invece a Bologna sono andati avanti per nove giorni così, senza che nessuno si lamentasse. Forza delle suggestioni arrivate da Cannes probabilmente, dove il film di Malick ha vinto la Palma d'Oro ma è stato descritto come un film insolito, visionario, antinarrativo. Per qualcuno addirittura "confuso" e "delirante". E il pubblico del Lumière, che è abituato alle proposte più estreme, ha accettato in silenzio quello che passava sullo schermo. Anche se la citazione dal Libro di Giobbe non era più all'inizio del film ma dopo venti minuti. Anche se il logo del distributore non stava più in testa al film. Da Malick ci si poteva aspettare di tutto. In fondo anche Sean Penn non si era presentato alla conferenza stampa perché insoddisfatto – si dice – del montaggio definitivo. Forse aveva visto anche lui la versione proiettata a Bologna.

Qui, sull'edizione bolognese del "Corriere", c'è la notizia con maggiori particolari.

Serie A 2010/11

2011-05-07T23:55:00.002+02:00

Un flauto magico

2011-03-21T10:15:00.008+01:00

È un "Flauto magico" molto minimalista, quello messo in scena da Peter Brook al Piccolo Teatro Strehler di Milano: al posto dell'orchestra, solo un pianoforte; il libretto ridotto alla sua essenzialità, con molti ruoli di contorno tagliati (non ci sono le tre damigelle, né i tre ragazzi, e nemmeno il coro); sul palco, una scenografia semplicissima, composta da una ventina di canne di bambù mobili che possono rappresentare, di volta in volta, la prigione in cui è rinchiusa Pamina o le porte del tempio della saggezza; costumi anch'essi molto semplici (niente penne e piume per Papageno, abiti principeschi per Tamino, o vistose tuniche per Sarastro); l'assenza totale di simboli massonici o piramidi, che contestualizzano ma anche appesantiscono l'ambientazione, qui restituita a una dimensione fiabesca "senza tempo": potrebbe svolgersi in ogni luogo e in ogni epoca; un bi-(e tri-)linguismo che svolge la stessa funzione di rendere universale la vicenda (i brani cantati restano, fortunatamente, in tedesco; ma i recitativi, tra l'altro assai più spigliati, sono in francese, con qualche parola in italiano); l'aggiunta di due personaggi che fungono da "spiriti", o anche da kuroko (gli assistenti di scena del teatro giapponese, coloro che spostano gli oggetti sul palco), e ricoprono tutti i ruoli minori (i sacerdoti, gli armigeri, gli schiavi, gli animali, e così via).

Insomma, l'intento di Brook è quello di togliere la pesantezza e tutti gli orpelli che oltre duecento anni di storia hanno depositato sull'opera e di ritornare – complice la musica di Mozart, la cui efficacia sta anche nella semplicità* – agli elementi basici di questo capolavoro, che già quando fu scritto si poneva in contrapposizione con la pomposità dell'opera seria italiana e rappresentava una forma di teatro popolare, "da camera" (il Singspiel). Il regista britannico lo aveva già fatto con il suo "Don Giovanni", ma stavolta compie un passo ancora più in avanti: allora, infatti, aveva rappresentato l'opera integralmente; stavolta la prende, la sfronda, la rimodella e ne fa qualcosa di nuovo (non a caso il titolo dell'allestimento è "Un flauto magico", con l'articolo indeterminativo), in grado di emozionare come se fosse stata scritta oggi.

Ottimi gli interpreti, con qualche riserva per alcuni cantanti che – forse per adeguarsi allo spirito minimalista di Brook – sfoggiano una voce sì intonata ma un po' flebile, probabilmente poco udibile dagli spettatori seduti più lontano. Stando in terza fila, per fortuna, mi sono goduto appieno anche la loro interpretazione. Il pubblico (con la presenza di molti giovani) ha apprezzato, riservando naturalmente i maggiori applausi al personaggio che da sempre catalizza di più le simpatie, ovvero Papageno. Da notare l'inserimento di un'aria per Papagena non presente nell'opera originale (è un Lied dello stesso Mozart).

* A proposito dell'apparente semplicità della musica di Mozart, A.C. Douglas (critico musicale con una predilezione per Wagner), scrive nel suo blog Sounds & Fury:

If one glances at — and we do mean merely glances at, not study — a few pages of a Wagner score of any of the mature works, one is not in the least surprised that the music sounds as it does. If, however, one does the same with the score of a mature Mozart opera, one cannot help but be surprised that the music sounds as it does. We mean, the notation on those pages looks almost childlike-simple, and a mere glance leads one to expect music that sounds not much more profound or affecting than, say, a first-year-harmony student's orchestration of "Jingle Bells" or some other such trivial stuff. And when that childlike-simple-looking notation produces music as sublime and transcendent as, say, "Dove sono" or "Contessa perdono" one is not merely surprised but astonished and fully ready to believe that, indeed, Mozart was — had to be — nothing less than God's very amanuensis.

Tradotto in italiano:

Se si guardano – e intendo solo guardare, non studiare – le pagine della partitura di una qualsiasi delle opere mature di Wagner, non ci si stupisce per nulla che la musica suoni in quel modo. Se però si fa lo stesso con la partitura di un'opera matura di Mozart, non si può che rimanere sorpresi della musica che ne esce. In altre parole, la notazione su quelle pagine sembra così semplice e infantile che a un semplice sguardo ci si aspetterebbe musica non più profonda o commovente di, diciamo, un'orchestrazione di "Jingle Bells" composta da uno studente di armonia del primo anno, o roba triviale di questo tipo. E quando quella partitura così semplice produce musica sublime e trascendente come, per esempio, "Dove sono" o "Contessa, perdono", non si rimane semplicemente sorpresi ma stupefatti, e si crede fermamente che Mozart sia stato – deve esserlo stato! – niente di meno che l'amanuense personale di Dio.

La situazione in Giappone

2011-03-18T14:30:00.003+01:00

Per chi volesse sapere qual è la situazione attuale in Giappone, dopo il terremoto, lo tsunami e i danni alla centrale nucleare di Fukushima, consiglio la lettura del blog del mio amico Ernesto, che vive in Giappone da molti anni, e in particolare di questo post, dal quale si ha la conferma dell'assoluta inaffidabilità dei giornalisti italiani, buoni solo a cavalcare le paure e le emozioni dell'opinione pubblica.

A Tokyo, per dirne una, la radioattività (nonostante l'emergenza di Fukushima) è inferiore a quella naturale di Roma! E in ogni caso, anche nei pressi della centrale, siamo a livelli notevolmente più bassi a quelli che una persona normale riceverebbe durante una TAC. Tutto questo non per negare che sia comunque in atto un'emergenza, ma per far capire che sarebbe bene non fidarsi ciecamente dei toni catastrofisti e sensazionalisti dei media (vi ricordate i casi dell'influenza aviaria o del buco nero al CERN?).

You will smile again, Japan!

2011-03-14T10:00:00.005+01:00

Mi associo alla solidarietà verso tutti coloro che vivono in Giappone, paese colpito da un devastante terremoto (e soprattutto dal conseguente tsunami: è questo che ha fatto i maggiori danni), ripubblicando questo bel banner (proviene da qui) impreziosito dal sorriso di Setsuko Hara, protagonista del film "Tarda primavera" di Yasujiro Ozu.

Il 2010 al cinema

2011-01-01T12:30:00.008+01:00

È stato un buon anno per il cinema in sala, apertosi con l'incredibile successo commerciale di "Avatar" (anche se come contenuti è stato un po' una delusione) che lasciava presagire una sempre maggior diffusione del 3D che poi invece, fortunatamente, non c'è stata. Complice anche la qualità non eccelsa delle pellicole in tre dimensioni che sono state offerte al pubblico, nella seconda metà dell'anno questo tipo di prodotti è sembrato cedere il passo: persino un kolossal come la prima parte di "Harry Potter e i doni della morte", inizialmente annunciato in pompa magna in tre dimensioni, è poi uscito nelle sale in "semplice" 2D. Il 3D sembra funzionare davvero soltanto nel cinema d'animazione, e non a caso il miglior film dell'anno di questo tipo è stato come sempre un cartone animato, "Toy Story 3" della Pixar. Quando al resto, la mia personale palma di miglior film visto al cinema nel 2010 va ad "Agorà" di Alejandro Amenábar. Ma non sono mancati altri titoli di notevole interesse, a cominciare dagli ultimi lavori di due maestri quali Martin Scorsese ("Shutter Island") e Roman Polanski ("L'uomo nell'ombra"), senza dimenticare (con qualche riserva, in attesa di ulteriori visioni) "Inception" di Christopher Nolan. Per quanto riguarda i Festival, le due maggiori kermesse del settore hanno avuto sviluppi diversi ma conclusioni simili, con i maggiori premi andati a film insoddisfacenti. Disastroso Cannes, che ha offerto poco o nulla di buono; ottima Venezia, dove si sono visti molti titoli interessanti (su tutti "Post Mortem" di Pablo Larraìn, ma anche "Potiche" di François Ozon, "13 assassins" di Takashi Miike, "Surviving life" di Jan Švankmajer, e altro ancora). Eppure, come dicevo, in entrambi i casi le giurie hanno premiato film deludenti come "Lo zio Bonmee che si ricorda le sue vite precedenti" di Apichatpong Weerasethakul e "Somewhere" di Sofia Coppola. Nel frattempo la presenza di cinema asiatico nelle sale italiane si fa sempre più scarsa: si è comunque visto il buon "Departures" di Yojiro Takita, vincitore nel 2008 dell'Oscar per il miglior film straniero (nel 2009 lo stesso premio è stato vinto dall'argentino "Il segreto dei suoi occhi", interessante ma non alla stessa altezza). Quanto al cinema italiano, è stata un'annata fiacca: la pellicola migliore si è rivelata il sorprendente documentario "Le quattro volte" di Michelangelo Frammartino. Il film peggiore dell'anno, invece, è stato senza alcun dubbio l'insopportabile "Bright star" di Jane Campion.

Destino

2010-12-29T15:15:00.000+01:00

Uno dei "pezzi forti" della recente mostra su Salvador Dalì tenutasi a Palazzo Reale a Milano consisteva nella proiezione di un cortometraggio animato di cui pochi conoscevano l'esistenza: è il frutto della collaborazione fra Dalì e Walt Disney, iniziata nel 1946 e poi interrotta per problemi economici prima che il progetto venisse portato a conclusione. Dalì disegnò centinaia di bozzetti per il cortometraggio che, in seguito, è stato portato a termine dagli animatori disneyani soltanto dopo il 1999 (sfruttando anche la computer grafica, non certo disponibile negli anni quaranta, per rendere "tangibili" le visioni paranoico-creative dell'artista spagnolo).

Che due "sognatori" come Dalì e Disney, per quanto attivi in campi così apparentemente diversi (l'arte "colta" il primo, quella "di massa" il secondo), si siano incontrati e abbiano deciso di collaborare, non deve in realtà essere fonte di stupore. La grandezza di entrambi consentiva facilmente loro di superare le barriere che dividevano i rispettivi settori d'appartenenza: Dalì aveva già frequentato il mondo del cinema (aveva lavorato con Luis Buñuel ne "Un chien andalou" e "L'âge d'or", ma anche con Alfred Hitchcock in "Io ti salverò"), mentre Disney amava coinvolgere artisti contemporanei nelle proprie opere (si pensi a "Fantasia", ma anche a numerose "Silly Symphonies").

Il cortometraggio, sulle note della ballata messicana "Destino" di Antonio Dominguez (interpretata dalla cantante Dora Luz), racconta quella che potrebbe essere la storia di un'altra delle tante "principesse" disneyane, almeno dal punto di vista iconografico. Ma il paesaggio in cui la ragazza si muove è quello della piana di Ampurdán, nella cittadina di Figueres, lo stesso che fa da sfondo a tante opere di Dalì, di cui ripropone simboli, immagini e ossessione: la torre di Babele, il campanile, gli obelischi, le forme cangianti. È incredibile come il breve filmato renda giustizia in maniera così evidente a entrambi i suoi ideatori, senza snaturare la visione artistica né dell'uno né dell'altro. Vi si può riconoscere sia il surrealismo daliniano che quello disneyano.

Un libro di Francesca Adamo e Caterina Pennestrì, "Il destino di un incontro" (ed. Mimesis), ripercorre la storia di questo incredibile progetto, il cui risultato è stato presentato in anteprima al Festival dell'Animazione di Annecy nel 2003 ma non è mai (a quanto mi risulta) stato messo in commercio. Per fortuna è possibile guardarlo su YouTube.

Cerebus: Alta società

2010-12-23T23:50:00.006+01:00

Con la pubblicazione in italiano del volume "Alta società", che segue di pochi mesi le edizioni in francese e in spagnolo (dopo che per anni l'autore aveva sempre rifiutato di far tradurre il suo lavoro in altre lingue), arriva finalmente nel nostro paese uno dei fumetti più importanti e controversi del panorama indipendente americano del secolo scorso. "Cerebus" – tanto il personaggio quanto la sua storia editoriale – merita infatti un posto di rilievo in una biblioteca ideale della nona arte per le sue caratteristiche uniche e (in tutti i sensi) eccezionali.

Nato nel 1977 come semplice parodia delle storie fantasy di Conan il Barbaro (e in particolare di quelle disegnate da Barry Windsor-Smith, che allora andavano per la maggiore), ma trasformatosi nel giro di pochi mesi in qualcosa di ben più complesso e profondo, il personaggio creato dal canadese Dave Sim è un buffo animale antropomorfo – per la precisione un oritteropo (aardwark) – che vive le sue avventure in un mondo fantasy/medievale diviso fra città-stato e dittature religiose. Dopo un paio d'anni di pubblicazione, mentre era ricoverato in ospedale per un'intossicazione da LSD, Sim decise che avrebbe continuato a realizzare il suo fumetto per trecento albi consecutivi, raccontando tutta la vita del personaggio fino alla sua morte, una cosa che nessuno aveva mai tentato prima. A differenza che in Giappone o in altri paesi, infatti, in America è raro che un singolo autore rimanga alle redini di una collana per lungo tempo, anche se autoprodotta. In più, si pensi che "Cerebus" era un fumetto indipendente, la cui sopravvivenza era difficile in un mercato, quello dei comic book statunitensi, dominato dalle testate supereroistiche delle due grandi major (la Marvel e la DC Comics), che potevano contare su risorse economiche, distributive e pubblicitarie ben superiori. Con ostinazione e tenacia, Sim ha continuato a scrivere e a disegnare l'albo fra alti e bassi per venticinque anni, diventando nel contempo un paladino dell'autopubblicazione e conquistandosi una popolarità sempre maggiore fra gli addetti ai lavori (lo dimostra per esempio il fatto che nel 1993 fu uno dei quattro autori scelti da Todd McFarlane per scrivere i testi di un episodio del suo popolarissimo "Spawn": gli altri tre erano Frank Miller, Alan Moore e Neil Gaiman, e questo la dice lunga sulla considerazione di cui Sim godeva all'epoca!).

Inizialmente dominate dall'umorismo e da frequenti parodie a tutto campo, le vicende di Cerebus si fanno via via più serie, complesse e adulte. I temi trattati arrivano a comprendere l'economia, la politica, la cultura, la religione e il rapporto fra i sessi, al cui riguardo l'autore non esita a esprimere idee radicali e spesso controverse (perlopiù in chiave antifemminista). Rimangono invece costanti i continui riferimenti cinematografici e letterari (dai fratelli Marx a Oscar Wilde, da Woody Allen a Ernest Hemingway), così come – di pari passo con la sofisticazione del linguaggio, che fa ricorso a slang e dialetti di ogni tipo – cresce ininterrottamente la qualità artistica delle tavole (Sim è uno dei primi disegnatori a giocare con il layout delle pagine, capovolgendo o inclinando le vignette, o sfruttando i balloon e persino il lettering per far progredire la narrazione; da un certo punto in poi viene coadiuvato da un assistente, Gerhard, che realizza gli sfondi con un meraviglioso tratteggio). Nella parte finale della serie, dopo essere passato attraverso una personale conversione religiosa (in precedenza era ateo), Sim si lancia in lunghe e contorte dissertazioni teologiche e filosofiche, spesso sacrificando i disegni in favore di pagine e pagine di solo testo, alienandosi gran parte della simpatia di un pubblico che non sembra più disposto a seguirlo. Ma in un modo o nell'altro, riesce ad arrivare al traguardo che si era prefissato: nel 2004 viene pubblicato il numero 300 di "Cerebus", quello in cui il personaggio – ormai invecchiato – muore, il coronamento di un'impresa la cui fruizione comincia adesso a essere possibile anche per i lettori di lingua italiana.

"Alta società", a dire il vero, cronologicamente non è il primo ma il secondo dei volumi che raccolgono tutte le storie dell'oritteropo: ristampa infatti gli albi dal 26 al 50. Anche negli Stati Uniti, comunque, questo è stato il primo arco di storie a essere pubblicato in un volume unico, in quanto si tratta di un'unica vicenda e – secondo Sim – presenta per la prima volta le caratteristiche del Cerebus "maturo". Personalmente non sono d'accordo con questa scelta: se è vero che i toni e soprattutto i disegni delle prime storie sono ancora leggerini e acerbi, è anche vero che la qualità cresce rapidamente nel giro di poche pagine e, soprattutto, che le prime avventure sono fondamentali per comprendere l'evoluzione del personaggio e per introdurre numerosi elementi – compresi alcuni comprimari fondamentali – che verranno successivamente recuperati in maniera sistematica. "Altà società" è perfettamente godibile anche a sé stante, ma leggerlo dopo il primo volume, "Cerebus", sarebbe stato senz'altro meglio.

L'intera serie di 300 albi, per un totale di 6000 pagine, è stata raccolta in inglese in 16 volumi. Speriamo che l'edizione italiana (edita da Black Velvet in un volume cartonato di oltre 500 pagine: traduzione e adattamento mi sembrano buoni, anche se per ora mi sono limitato a sfogliarlo) possa proseguire con il recupero del tomo precedente e la pubblicazione di quelli successivi.

Die Walküre

2010-12-08T12:00:00.003+01:00

Era da una "Aida" di venticinque anni fa, se non ricordo male, che non assistevo a una prima della Scala in televisione. Dopo di allora, gli ascolti (relativamente) bassi di uno spettacolo del genere avevano dissuaso i dirigenti del "servizio pubblico" dal trasmettere ancora in diretta uno degli eventi culturali di maggior interesse e spessore del nostro paese (mentre per Miss Italia e il Festival di Sanremo c'è sempre spazio). E dire che una volta l'opera lirica era il genere "popolare" per eccellenza, e forse lo sarebbe ancora, almeno in parte, se il pubblico non fosse stato "disabituato" a fruirne proprio dalle sciagurate programmazioni televisive degli ultimi decenni. Per fortuna, con l'avvento della tv digitale terrestre e il proliferare di canali tematici, ora c'è spazio per tutti. E così Rai 5, la nuova rete dedicata alla cultura, ha presentato – nel corso di una diretta durata quasi sette ore! – l'attesa inaugurazione della stagione operistica milanese.

Conoscevo poco Wagner, e de "La Valchiria" giusto la trama (e naturalmente il tema musicale, così cinematografico, della Cavalcata!). Devo dire che è stata una sorpresa davvero positiva. A parte un impatto iniziale un po' difficoltoso, le cinque ore dell'opera (con tre lunghi intervalli) sono davvero volate! La carne al fuoco era tanta, e di qualità: antiche saghe mitologiche, personaggi archetipici, riferimenti classici (quanto hanno in comune i miti germanici con quelli greci: Jung aveva ragione!), faide famigliari, dilemmi divini, incesti, sangue, battaglie, amore e magia. E tanta musica, persino esaltante, mai interrotta da un recitativo!

Musicalmente, infatti, l'opera di Wagner è assai diversa da quelle "italiane" cui sono più abituato: non ci sono (quasi) arie o brani singoli, ma un continuo "flusso musicale" che si sviluppa dall'inizio alla fine, coinvolgendo l'ascoltatore a 360 gradi. Ottimi i cantanti, che hanno saputo reggere fino in fondo parti difficili e ad alto dispendio di energie (con nota di merito per la protagonista Nina Stemme). Buona la direzione di Daniel Barenboim (che prima di iniziare ha letto un estratto dalla Costituzione italiana in difesa della cultura, alla presenza del Presidente della Repubblica), tutto sommato suggestive le scenografie (a parte le videoproiezioni di lettere e numeri con effetti digitali alla "Matrix"), non eccellenti invece i costumi (soprattutto quelli delle Valchirie).

Fra due anni, nel 2012, a Sant'Ambrogio sarà di scena il "Sigfrido", ossia il seguito de "La Valchiria" (rispettivamente terza e seconda parte della quadrilogia "L'anello dei Nibelunghi", dopo "L'oro del reno" e prima de "Il crepuscolo degli dei"), e per allora spero di essermi fatto una maggior cultura su Wagner. Magari ne avrò anche parlato sul mio blog dedicato all'argomento, Opera Omnia.

Pluto

2010-11-13T13:05:00.007+01:00

Con "Pluto", manga in otto volumi, Naoki Urasawa (l'autore di "Monster" e "20th Century Boys") estingue un debito verso l'artista che, in gioventù, l'aveva fatto innamorare dei fumetti. La serie è infatti un remake, o meglio una rilettura, di una classica storia di "Astro boy" (Tetsuwan Atom) realizzata da Osamu Tezuka nel 1964. Ai tempi, la serie di Tezuka doveva fare i conti con la popolarità delle opere realizzate dal "rivale" Mitsuteru Yokoyama, a base di duelli fra robot giganti (un "genere" che avrebbe acquisito sempre maggior popolarità nel campo dei manga e degli anime giapponesi), e così l'autore decise di incentrare a sua volta una storia di Atom sui combattimenti: naturalmente la realizzò a modo suo, permeandola di umanesimo per mettere in chiaro come determinare quale fosse "il più grande robot del mondo" (questo era il titolo dell'episodio) soltanto in base alla capacità distruttiva fosse una follia. A distanza di oltre quarant'anni, Urasawa ne ha ripreso l'idea, i personaggi e la trama, naturalmente in versione più "realistica", e ha sfornato un piccolo gioiellino dai toni asimoviani, costruito come un thriller poliziesco e fantapolitico, senza trascurare profonde riflessioni sulle intelligenze artificiali e sulle relazioni fra uomini e macchine. In particolare, ha reso protagonista quello che nella storia originale era solo un comprimario, il poliziotto robotico tedesco Gesicht, mostrando gran parte della vicenda dal suo punto di vista e lasciando ad Atom il compito di intervenire solo nel finale. La storia di Tezuka è stata pubblicata in Italia soltanto di recente, nel quinto numero della collana Planet Manga dedicata ad Astro Boy, consentendo di fare un interessante confronto fra le versioni originali dei personaggi e quelle rivedute da Urasawa: inutile dire che la lettura di entrambi i fumetti è consigliata!

I personaggi di Tezuka (marrone) e Urasawa (nero) a confronto
(clicca per ingrandire).

La scena finale del fumetto nelle due versioni.

Nuovo televisore

2010-11-11T11:30:00.000+01:00

Non sono un geek che si vanta dei propri acquisti tecnologici, ma visto il gran consumo che faccio di cinema in casa questo dovevo proprio mostrarlo.

Certo, rimane la sensazione di aver fatto il passo più lungo della gamba:

-42 pollici mi sembrano forse troppi, ma probabilmente è tutta questione di abitudine.

-È Full HD, ma l'alta definizione per ora mi interessa poco, visto che non ho certo intenzione di "convertire" gli oltre 1500 DVD della mia collezione in Blu-ray.

-Il vero punto dolente è lo schermo LCD. Dopo decenni di tubo catodico, l'immagine mi pare troppo nitida e i colori troppo accesi, il che toglie ai film il loro aspetto "cinematografico" (sembrano tutti girati con una videocamera digitale). Forse dovrò trafficare un po' con i settaggi di luminosità, contrasto, ecc. Anzi, se qualcuno ha dei consigli al riguardo, è il benvenuto.

Hard disck?

2010-10-15T20:24:00.004+02:00

Dal sito del Corriere della Sera:

"Blue-ray"?
"Hard disck"?

Ma soprattutto: l'alta definizione, questa sconosciuta...

(L'articolo era qui. Ora hanno corretto.)

L'Iron Man di Tartakovsky

2010-09-23T18:21:00.003+02:00

Ecco la copertina alternativa di Genndy Tartakovsky (il mitico creatore de "Il laboratorio di Dexter", nonché scrittore e regista de "Le Superchicche") per Invincible Iron Man Annual #1.

Topolino e le tre verità

2010-04-12T12:10:00.003+02:00

Leggendo i primi volumi della meravigliosa collana "Gli anni d'oro di Topolino" (che sta uscendo in allegato con il "Corriere della Sera" e sta ristampando tutte le strisce di Floyd Gottfredson), e in particolare la storia del 1939 "Topolino e Robinson Crusoe" (un'avventura non eccezionale ma di grande importanza filologica: è la prima in cui il topo passa dalle classiche iridi con il taglietto ai normali occhi con la pupilla che lo contraddistinguono ancora oggi), ho ripensato a una discussione avuta con alcuni amici con cui ho rivisto di recente (per loro era la prima volta) il capolavoro di Akira Kurosawa "Rashomon". In quel film il regista presenta allo spettatore diverse versioni di uno stesso fatto, narrate dai vari protagonisti, che si contraddicono fra loro. Il messaggio è che non esiste dunque una sola verità, visto che questa varia a seconda del narratore o dell'osservatore, proprio come nella meccanica quantistica!

Quando, nel "dibattito" seguito alla visione del film, ho sottolineato come le immagini di Kurosawa che illustrano le varie versioni siano decisamente "realistiche" e illusorie, lasciando credere allo spettatore che sia vero anche quello che non lo è, uno dei miei amici ha obiettato che, trattandosi di un film e dunque di un'opera di finzione, tutto quello che viene mostrato sullo schermo non è "vero" per definizione ma solo il prodotto della fantasia dello sceneggiatore. Ho cercato di spiegargli la differenza fra "vero" all'interno della narrazione (per esempio: nel mondo di "Guerre stellari", è vero che Darth Vader è il padre di Luke) e al di fuori (nel nostro mondo, non è vero che Darth Vader è il padre di Luke: i due, infatti, non esistono), ma senza troppo successo.

Il ghigno di Mifune in "Rashomon": cos'è la verità?

E veniamo a Topolino. La suddetta storia con Robinson Crusoe mi ha reso consapevole dei tre distinti livelli di "verità" presenti nelle storie di Gottfreddson. Il primo livello è quello degli esordi, delle strip iniziali di Disney/Iwerks e di tutte quelle prodotte nel primo biennio di Floyd (1930-1932), diciamo fino a "Topolino e Orazio nel castello incantato". Il personaggio era nato, com'è noto, nei cortometraggi animati nel 1928, ed era diventato subito una star: a Disney i fumetti non interessavano particolarmente, ma quando nel 1930 il King Features Syndicate (che distribuiva le strisce ai quotidiani) gli chiese di realizzare una strip giornaliera con Mickey Mouse, pensò che sarebbe stata una buona pubblicità per il personaggio e decise di accettare. Il Topolino che compare nelle prime strisce, dunque, è molto simile a quello degli shorts, e non si prende decisamente sul serio. Le sue avventure sono comiche e irrealistiche, e il lettore non dimentica mai che si tratta di un pupazzo disegnato: anche quando si trova in una situazione di pericolo, se precipita da un aereo o è minacciato da un animale feroce, manca la tensione che si proverebbe se si fosse convinti che si tratti di una situazione "vera": sensazione che trova conferma quando il personaggio si salva con una trovata comica che sfida le leggi della fisica o della logica, o addirittura con una battuta. In poche parole, non c'è "verità" in queste avventure, nemmeno all'interno del mondo in cui si svolgono, e chi le legge si diverte ma è sempre e continuamente consapevole che si tratta di una finzione, di un fumetto, che quel personaggio è un topolino antropomorfo disegnato da qualcuno.

"Topolino nell'isola misteriosa": come in un cartoon

Dal 1932 al 1938, per merito della maestria di Gottfredson (e degli sceneggiatori che collaboravano con lui, Ted Osborne e Merrill De Maris), tutto cambia. Le storie si fanno realistiche, l'avventura decolla, e di colpo Topolino non è più un topo disegnato ma un essere umano in carne e ossa, proprio come il Paperino di Barks non sarà un papero umanizzato ma un uomo come noi. Vedendo Topolino di fronte al pericolo, temiamo per lui, e tiriamo un sospiro di sollievo quando si salverà. Se minacciato, crediamo veramente che possa morire (e la morte stessa farà spesso capolino nelle sue storie). Insomma, le sue avventure seguono le stesse leggi del mondo reale. Che il personaggio abbia le orecchie e la coda è secondario, un fatto di nessuna importanza, proprio come non ha importanza che il Paperino o il Paperone di Barks o di Don Rosa abbiano il becco e le piume.

"Topolino e il mostro bianco": drammaticità e verismo

E poi, ecco "Topolino e Robinson Crusoe". La storia precedente, la magnifica "Topolino e la banda dei piombatori", si era segnalata per un livello eccezionale di realismo. Rimasto senza un soldo per il fallimento del mercato azionario, dove aveva investito tutto il suo denaro, Topolino aveva cercato invano un lavoro e aveva dovuto fare i conti con l'onda lunga della Grande Depressione. Quei momenti avevano ancora di più esaltato il livello di "credibilità" interno della strip. Ma all'inizio della nuova storia, c'è un elemento che fa crollare tutto il castello di carte e che di colpo espelle la "verità" dalle strisce del personaggio: Topolino riceve una telefonata da Walt Disney in persona (!) che gli chiede di recarsi agli studios perché c'è un nuovo film da girare (!). E l'avventura con Robinson Crusoe è proprio questo: un "film" in cui Mickey recita semplicemente una parte, come un attore. Durante la storia, dunque, non proveremo mai tensione: quando Topolino e Robinson vengono attaccati dai leoni o fatti prigionieri dai selvaggi, nella nostra testa risuonerà sempre la frase "è solo un film", che ci impedirà di pensare che quelle situazioni siano "vere". Certo, è buffo che invece non ci venga in mente "è solo un fumetto", ma in fondo è anche naturale: quella fase l'abbiamo già superata, come si è visto, sin dal 1932.

"Topolino e Robinson Crusoe": è solo un film!

Insomma, concludiamo: nel corso della produzione di Gottfredson degli anni Trenta si attraversano tre livelli di verità. La prima, "è solo un fumetto" (1930-32), è quella cui si riferiva il mio amico: leggiamo le storie consapevoli che non si tratta che di una finzione. La seconda, "è tutto vero" (1932-38), è quella che domina ancora oggi nella maggior parte delle opere di narrativa, almeno di quelle fatte bene: ed è questa che Kurosawa, con il suo film, ha voluto frantumare: chi non se ne rende conto, non potrà apprezzare la grandezza di "Rashomon", che per la prima volta (anche se c'era già stato Pirandello, of course, e in certo senso anche Orson Welles con "Quarto potere") ha fatto capire che è possibile mostrare contemporaneamente più verità. La terza, "sembra vero ma non lo è" (1939), ne è la logica conseguenza, l'atteggiamento di un lettore/spettatore smaliziato: e l'unico modo per superarlo è quello di affidarsi alla "sospensione dell'incredulità", fingere cioè di credere a qualcosa che palesemente non è "vero". Per godersi "Topolino e Robinson Crusoe", bisogna fingere che non si tratti di un film interpretato da Topolino o almeno dimenticarsene fino ai titoli di coda.

Le sigle di JoJo

2010-04-09T23:50:00.004+02:00

Come gli appassionati de "Le bizzarre avventure di JoJo" ben sanno, non esiste purtroppo una serie televisiva animata tratta da questo lunghissimo manga. Al massimo sono disponibili due serie di OAV (Original Anime Video, ovvero prodotti direttamente per il mercato dell'home video), rispettivamente di 6 e 7 episodi, che "coprono" soltanto alcune delle avventure della terza serie. Ma qualche appassionato ha pensato di rimediare, realizzando delle ipotetiche sigle dedicate alla quarta, quinta e sesta serie di "JoJo", scimmiottando quelle di altri celebri anime. Pur trattandosi di un lavoro artigianale (vanno un po' a scatti), sono assai divertenti. Purtroppo non sono riuscito a individuare il nome del loro autore. Comunque, eccole qui, nell'ordine:

La sigla della quarta serie, Diamond is Unbreakable (la mia preferita del manga, fra l'altro), è una parodia di Romantic ageruyo, la prima sigla di chiusura di "Dragonball", e vede lo spietato serial killer Yoshikage Kira prendere il posto che nell'originale era di Bulma!

La sigla della quinta serie, Golden Wind (Vento aureo), ambientata completamente in Italia, è un rifacimento di What's up, guys?, dinamica sigla di apertura dell'anime "Bakuretsu hunter".

La sigla della sesta serie, Stone Ocean, la prima con una protagonista femminile e ambientata quasi interamente in un carcere, si rifà infine a Zankoku na tenshi no teeze, la sigla di "Neon Genesis Evangelion".

Il cibo in Giappone

2010-04-08T10:00:00.011+02:00

In Giappone ho mangiato benissimo: il cibo mi ha colpito per varietà, gusto e bontà. Ci sono ristorantini per tutte le tasche, molti dei quali specializzati in piatti particolari, ed è facile capire perché ai giapponesi piace così tanto mangiare fuori di casa. Nelle foto potete vedere, tra gli altri, yakisoba, ramen, okonomiyaki, tempura, nikuman, sushi, donburi, soba, un bento di carne di manzo, taiyaki, manzo di kobe, udon e gelato al tè verde, yudofu (tofu bollito), yakiniku (carne grigliata), e anche la mia torta di compleanno!

Tonkotsu udon
Ramen teishoku, subuta, tenshinhan
Nikuman	Tako no sunomono
Roll katsu
Okonomiyaki
Tonkotsu ramen	Donabe tofu & gyoza
Sushi mori
Kaisen donburi
Zaru udon & tenpura donburi
Yakizakana teishoku
Gyu bento
Ke-gani, taraba-gani, zuwai-gani

Pasta (in un ristorante italiano a Tokyo)
Taiyaki	Shina soba

Kobe gyu (manzo di Kobe)
Matcha soba & azuki shiratama
Matcha soba
Shiratama-azuki-matcha ice cream	Uji-kintoki kakigori
Yudofu
Goma dofu
Yakiniku
Torta di compleanno
Kaiseki gozen
Shikoku niku udon
Hiyashi udon
Negima yakitori
Sushi	Kuruma ebi furai maki

Gottfredson!

2010-03-22T11:40:00.006+01:00

Dopo la collana dedicata a Carl Barks, uscita due anni fa in edicola, è da oggi in vendita (in abbinamento con il Corriere della Sera o con La Gazzetta dello Sport) "Gli anni d'oro di Topolino", un'iniziativa editoriale che per gli appassionati di fumetti è forse ancora più preziosa: la pubblicazione cronologica e integrale delle strisce di Mickey Mouse pubblicate sui quotidiani americani dal 1930 al 1975, ovvero l'opera completa di Floyd Gottfredson in una serie di volumi cartonati!

Striscia del 28/6/1930

A differenza delle storie di Barks, infatti, quelle di Gottfredson non hanno mai goduto in nessuna parte del mondo (nemmeno negli Stati Uniti) di un'edizione organica e completa. In Italia la casa editrice Comic Art aveva provato a ristamparle integralmente, ma senza mai arrivare fino in fondo e cambiando più volte formato di stampa. Quest'edizione sarà dunque la prima al mondo a presentarle tutte, dalla prima all'ultima! Come per la collana di Barks, a dire il vero, si è preferito non cominciare la pubblicazione dall'inizio bensì dal momento in cui lo stile dell'autore raggiunge la piena maturità, forse per non spaventare lettori poco avvezzi al materiale troppo datato. Il primo volume, dunque, è dedicato alla produzione del 1936/37 (con due storie, "L'uomo nuvola" e "Il gorilla spettro"): le annate precedenti saranno recuperate in seguito. Le storie sono state colorate (forse l'unico difetto di questa edizione: in originale erano in bianco e nero, ma anche la Mondadori le aveva colorate in passato per presentarle su "Topolino" o sui volumi strenna giganti) e ritradotte (ero affezionato alla vecchia traduzione d'epoca, ma questa è sicuramente più fedele all'originale). Ogni volume (in totale saranno 38, in formato orizzontale) può contare sull'apparato critico di Luca Boschi, Alberto Becattini e Lidia Cannatella.

Striscia del 26/8/1932

Da notare che oltre alle strisce giornaliere (che nei quotidiani apparivano dal lunedì al sabato) vengono pubblicate anche le tavole domenicali, che spesso non erano opera di Gottfredsson ma di altri cartoonist (comunque bravi, come Manuel Gonzales). E saranno inoltre presentate integralmente anche tutte le strisce del lungo periodo 1955-1975, quando Gottfredson fu costretto da ordini dall'alto a rinunciare alle storie "a continuazione" per dedicarsi solamente a gag autoconclusive, mettendo di fatto fine all'epoca d'oro "avventurosa" del topo (per fortuna, a prendere il suo testimone, ci furono grandi autori italiani come Romano Scarpa).

Striscia del 13/6/1936

Floyd Gottfredson (1905-1986), per chi non lo sapesse, è una vera leggenda vivente. Assunto alla Disney nel 1929 come apprendista animatore, con il ruolo di intercalatore (uno dei compiti più "in basso" nella filiera della produzione dei cartoni animati), venne incaricato da Disney in persona di disegnare le strisce di Topolino da pubblicare sui quotidiani, essenzialmente perché nessun altro voleva farlo. Mickey Mouse, nato nel 1928, era infatti diventato una celebrità grazie ai cartoni animati, e il King Features Syndicate, che distribuiva le strisce ai quotidiani, aveva chiesto a Disney di produrre anche una comic strip a scopi puramente promozionali. Ma nè Disney né i suoi collaboratori erano particolarmente interessati ai fumetti e così – dopo qualche mese (la striscia di Topolino era cominciata nel gennaio 1930) in cui le storie erano state realizzate da Disney stesso, Ub Iwerks e Win Smith – l'incarico venne affidato "in via temporanea" all'ultimo arrivato, cioè al giovane Floyd, con la promessa che al più presto sarebbe stato assunto un disegnatore professionista e che Gottfredson avrebbe potuto dunque tornare a lavorare ai cartoni animati. Invece Floyd rimase a disegnare la striscia per ben 45 anni, dal 5 maggio 1930 al 15 novembre 1975, quando finalmente se ne andò in pensione!

Striscia del 18/8/1939

In quanto impiegato della Disney, non gli era permesso firmare i suoi lavori (tutti i fumetti, all'epoca, recavano la firma in calce "Walt Disney", come se l'autore fosse il grande capo). Solo a metà degli anni sessanta la sua vera identità cominciò a circolare fra gli appassionati, spiazzando fra l'altro coloro (come Alfredo Castelli, che lo aveva ribattezzato Al Levin) che credevano che l'autore delle strisce d'anteguerra fosse una persona diversa da quello del dopoguerra (lo stile di Gottfredson, infatti, cambierà parecchio col tempo).

Striscia del 5/10/1943

Nell'arco dei 45 anni della sua carriera, da solo o con l'aiuto di validissimi collaboratori (come gli sceneggiatori Bill Walsh, Ted Osborne e Merrill De Maris o gli inchiostratori Ted Thwaites, Bill Wright e Dick Moores) Gottfredson ha realizzato centinaia di storie-capolavoro che per l'universo di Topolino hanno la stessa importanza di quelle di Barks per il mondo dei paperi. Oltre a fornire una personalità e uno spessore psicologico in precedenza sconosciuto a personaggi dei cartoni animati come Topolino, Minnie, Pippo o Gambadilegno, Floyd e i suoi colleghi hanno anche creato characters come Basettoni, Manetta, Macchia Nera, Eta Beta, il dottor Enigm, Giuseppe Tubi e molti altri. Le avventure di Topolino hanno attraversato oltre quarant'anni di storia e di costume, trasformandosi con il tempo e attraversando diverse fasi e diversi generi (avventura, noir, horror, commedia). Nel complesso, costituiscono un "corpus" di indiscutibile valore non solo nel campo del fumetto ma anche in quello della letteratura e della cultura del ventesimo secolo tout court, di cui Topolino è stato uno dei protagonisti assoluti.

Per chi volesse approfondire l'argomento, segnalo alcuni saggi imperdibili:
- Antonio Faeti, In trappola col topo. Una lettura di Mickey Mouse. Einaudi 1986, 290 pagine.
- Leonardo Gori e Francesco Stajano, Il grande Floyd Gottfredson: una vita con Topolino. Comic Art 1998, 144 pagine.
- Alberto Becattini, Floyd & Mickey. Gottfredson, Disney e Topolino: mezzo secolo di umorismo e avventura. Comic Art 1998, 192 pagine.

Via uno, ne mancano sei

2010-03-20T10:35:00.028+01:00

Due giorni fa, il 18 marzo, al matematico russo Grigori Perelman è stato ufficialmente assegnato il Millennium Prize per aver dimostrato la congettura di Poincaré, che attendeva di essere risolta da quasi un secolo. Poincaré la ipotizzò nel 1904, e la soluzione di Perelman è stata pubblicata nel 2002/2003. Dopo un lungo esame, la comunità scientifica ne accettò la validità nel 2006, e solo adesso il problema è stato depennato dalla lista del Clay Institute. La lunga attesa, naturalmente, è dovuta al fatto che la dimostrazione ha dovuto essere esaminata fin nei minimi dettagli da altri matematici per essere sicuri che non abbia alcun punto debole.

La congettura di Poincaré era uno dei sette "problemi del millennio" che il Clay Mathematics Institute aveva posto alla comunità dei matematici nel 2000: sette questioni ancora aperte e di particolare importanza, che attendono una dimostrazione (o una controdimostrazione) da parecchio tempo. Per ognuno dei solutori è previsto un ricco premio in denaro, pari a un milione di dollari (il cosiddetto "Millenium Prize"). Finora la congettura di Poincaré è l'unico dei sette problemi a essere stato risolto.

Cosa dice questa congettura (anzi, ormai dovremo chiamarla teorema, visto che è stata dimostrata)? Si tratta di una questione di topologia che essenzialmente estende a uno spazio con 3 dimensioni (una 3-varietà) una proprietà che da tempo si sapeva valida per uno in 2 dimensioni, ovvero che la sfera è l'unica superficie chiusa "semplicemente connessa" (ovvero "senza buchi"), dove ogni cammino chiuso può essere contratto fino a ridursi a un punto. Per la precisione: ogni superficie bidimensionale con queste caratteristiche – cioè chiusa, compatta e senza bordi – è "omeomorfa" alla superficie di una sfera (ricordo infatti che, anche se la sfera è un oggetto immerso in tre dimensioni, la sua superficie è bidimensionale: ogni punto può essere individuato attraverso solo due variabili, come la latitudine e la longitudine). Che questo valesse anche per superfici tridimensionali (3-varietà) non era affatto scontato, perché, a differenza di quelle in due dimensioni, esistono 3-varietà omologhe ma non omeomorfe alla 3-sfera.

Adesso ci si chiede se l'eccentrico Perelman accetterà il premio o lo rifiuterà, visto che nel 2006 aveva già declinato la medaglia Fields, il riconoscimento più importante per un matematico, che molti considerano l'equivalente del Nobel.

The Lego Turing Machine

2010-03-18T23:58:00.013+01:00

Con questa le ho viste davvero tutte:
una macchina di Turing fatta con il lego!

Le mie attrici preferite

2010-02-28T21:04:00.003+01:00

Senza un vero motivo, se non perché mi va di farlo, pubblico qui una classifica delle mie attrici preferite (preferite, si intende, in questo momento: magari fra qualche anno la rivoluzionerò completamente). Per capirci meglio, si tratta di quelle la cui sola presenza può essere sufficiente per spingermi a guardare un film (o addirittura, in certi casi, ad acquistarne il DVD a scatola chiusa!).

Si tratta di una classifica gettata giù d'istinto e che prende in considerazione bellezza, fascino, carisma, bravura e simpatia, naturalmente con "pesi" diversi a seconda dei casi. Diciamo che ho scelto tutte attrici che mi farebbe piacere conoscere personalmente... anche se purtroppo alcune di loro ci hanno ormai lasciato: ma il bello del cinema è che può donare l'immortalità, cristallizzando intere esistenze nei fotogrammi di una pellicola.

L'elenco è assolutamente soggettivo, ça va sans dire, e dunque immune a ogni tipo di critica. Oltre a piacermi, l'unico criterio per entrare in lista è quello di essere apparse in un discreto numero di film da me visti. Dunque, pollice verso a tante brave o belle figliole che magari ho ammirato in una singola pellicola per poi non rincontrare più su celluloide. Per ciascuna delle seguenti, invece, ho voluto indicare non solo i lungometraggi più famosi in cui è apparsa (e quello che io ritengo il migliore o il più rappresentativo della sua filmografia) ma anche l'occasione in cui me ne sono innamorato per la prima volta.

1. Milla Jovovich Film più famosi: Il quinto elemento, Resident evil, The million dollar hotel Il mio preferito: Giovanna d'Arco Il colpo di fulmine: Il quinto elemento
2. Maggie Cheung Film più famosi: In the mood for love, Hero, Irma Vep Il mio preferito: In the mood for love Il colpo di fulmine: Police story	3. Marilyn Monroe Film più famosi: A qualcuno piace caldo, Quando la moglie è in vacanza, Gli uomini preferiscono le bionde Il mio preferito: A qualcuno piace caldo Il colpo di fulmine: A qualcuno piace caldo
4. Katharine Hepburn Film più famosi: Scandalo a Filadelfia, La regina d'Africa, Susanna Il mio preferito: Improvvisamente l'estate scorsa Il colpo di fulmine: Il diavolo è femmina	5. Gene Tierney Film più famosi: Vertigine, Il fantasma e la signora Muir, Femmina folle Il mio preferito: Il fantasma e la signora Muir Il colpo di fulmine: I misteri di Shanghai
6. Uma Thurman Film più famosi: Pulp fiction, Kill Bill, Gattaca Il mio preferito: Pulp fiction Il colpo di fulmine: Pulp fiction	7. Shu Qi Film più famosi: The transporter, So close, Millennium mambo Il mio preferito: Millennium mambo Il colpo di fulmine: In fuga per Hong Kong
8. Sigourney Weaver Film più famosi: Alien, Ghostbusters, Avatar Il mio preferito: Alien Il colpo di fulmine: Alien	9. Louise Brooks Film più famosi: Lulu (Il vaso di Pandora), Diario di una donna perduta, Miss Europa Il mio preferito: Diario di una donna perduta Il colpo di fulmine: Lulu (Il vaso di Pandora)

10. Catherine Deneuve Film più famosi: Bella di giorno, Repulsion, Le parapluies de Cherbourg Il mio preferito: 8 donne e un mistero Il colpo di fulmine: Bella di giorno	11. Claudia Cardinale Film più famosi: C'era una volta il west, 8 e 1/2, Fitzcarraldo Il mio preferito: C'era una volta il west Il colpo di fulmine: C'era una volta il west	12. Gong Li Film più famosi: Lanterne rosse, Addio mia concubina, Memorie di una geisha Il mio preferito: La storia di Qiu Ju Il colpo di fulmine: Lanterne rosse
13. Julianne Moore Film più famosi: Magnolia, Lontano dal paradiso, Il grande Lebowski Il mio preferito: La fortuna di Cookie Il colpo di fulmine: Un marito ideale	14. Monica Vitti Film più famosi: L'avventura, L'eclisse, Deserto rosso Il mio preferito: La notte Il colpo di fulmine: L'avventura	15. Emanuelle Béart Film più famosi: Un cuore in inverno, La bella scontrosa, Mission: Impossible Il mio preferito: 8 donne e un mistero Il colpo di fulmine: 8 donne e un mistero
16. Bae Du-na Film più famosi: The host, Mr. Vendetta, Take care of my cat Il mio preferito: Linda Linda Linda Il colpo di fulmine: Saving my hubby	17. Setsuko Hara Film più famosi: Viaggio a Tokyo, Tarda primavera, L'idiota Il mio preferito: Tarda primavera Il colpo di fulmine: Tarda primavera	18. Isabelle Huppert Film più famosi: La pianista, Madame Bovary, Il buio nella mente Il mio preferito: 8 donne e un mistero Il colpo di fulmine: Grazie per la cioccolata
19. Nicole Kidman Film più famosi: Moulin rouge, Eyes wide shut, The others Il mio preferito: Dogville Il colpo di fulmine: Eyes wide shut	20. Brigitte Lin Film più famosi: Hong Kong Express, Bride with white hair, Ashes of time Il mio preferito: Hong Kong Express Il colpo di fulmine: Peking opera blues	21. Marlene Dietrich Film più famosi: L'angelo azzurro, L'imperatrice Caterina, L'infernale Quinlan Il mio preferito: Testimone d'accusa Il colpo di fulmine: Marocco
22. Michelle Yeoh Film più famosi: La tigre e il dragone, Tomorrow never dies, Heroic trio Il mio preferito: Wing Chun Il colpo di fulmine: Police story 3	23. Jeanne Moreau Film più famosi: Les amants, Jules e Jim, Diario di una cameriera Il mio preferito: La notte Il colpo di fulmine: Jules e Jim	24. Ludivine Sagnier Film più famosi: 8 donne e un mistero, Swimming pool, Gocce d'acqua su pietre roventi Il mio preferito: 8 donne e un mistero Il colpo di fulmine: 8 donne e un mistero
25. Liv Tyler Film più famosi: Io ballo da sola, Armageddon, Il signore degli anelli Il mio preferito: Il signore degli anelli Il colpo di fulmine: La fortuna di Cookie	26. Nastassja Kinski Film più famosi: Tess, Paris Texas, Il bacio della pantera Il mio preferito: Paris Texas Il colpo di fulmine: Falso movimento	27. Denise Richards Film più famosi: Starship troopers, Sex crimes, 007 Il mondo non basta Il mio preferito: Starship troopers Il colpo di fulmine: Sex crimes
28. Julie Andrews Film più famosi: Mary Poppins, Victor Victoria, Tutti insieme appassionatamente Il mio preferito: Victor Victoria Il colpo di fulmine: Mary Poppins	29. Rachel McAdams Film più famosi: Mean girls, State of play, Sherlock Holmes Il mio preferito: Red eye Il colpo di fulmine: Mean girls	30. Angelina Jolie Film più famosi: Ragazze interrotte, Tomb raider, Mr. & Mrs. Smith Il mio preferito: Alexander Il colpo di fulmine: Tomb raider

Sento già le voci che si alzano per lamentare l'assenza di questa o quella diva. Mi rendo conto di aver lasciato fuori grandi nomi, ma dopo tutto questa è una top 30, non una top 100. E poi ci sono attrici di cui riconosco la bravura ma che fisicamente non mi "attizzano", altre per cui vale il viceversa (ma che nessuno ironizzi sulle capacità recitative di Milla, mi raccomando! Lei è un caso a parte, e merita il primo posto di default), altre ancora di cui ho visto troppi pochi film per poterle inserire senza rimorsi di coscienza...

Comunque, tanto per citarne ancora 30 (lascio a voi indovinare quali meritino per la bellezza, quali per la bravura e quali per la simpatia), mi è dispiaciuto lasciar fuori Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Greta Garbo, Rita Hayworth, Linda Darnell, Jamie Lee Curtis, Sophie Marceau, Heather Graham, Neve Campbell, Carrie Fischer, Natalie Portman, Bryce Dallas Howard, Michelle Rodriguez, Kim Basinger, Kate Winslet, Zhang Ziyi, Brigitte Bardot, Isabelle Adjani, Bette Davis, Carmen Maura, Kathy Bates, Susan Sarandon, Emma Thompson, Charlotte Rampling, Winona Ryder, Julia Roberts, Cameron Diaz, Karen Mok, Daryl Hannah e Margaret Dumont.

Kitano superstar

2010-02-23T09:50:00.001+01:00

Quest'uomo mi sorprende ogni volta di più. C'è qualcosa che non sappia fare?

Ricordo che oltre che attore, regista, scrittore, montatore, comico, cabarettista, presentatore televisivo, saggista, poeta, romanziere, critico cinematografico, pittore, supereroe e persino autore di videogiochi, di recente (30 gennaio 2009) Beat Takeshi ha anche vinto il premio massimo (10 milioni di yen) al quiz televisivo "Chi vuol essere milionario?", dopo che nel 2008 aveva già partecipato e aveva sbagliato l'ultima risposta.

La lista della spesa dello zio

2010-02-18T19:45:00.009+01:00

Alan Moore è noto per la sua verbosità, per la leggendaria prolificità, per le sceneggiature incredibilmente dettagliate (a titolo di esempio, in questo pdf si possono leggere quelle della prima e dell'ultima tavola di "Watchmen": da notare come abbia usato un'intera pagina per descrivere una sola vignetta!).

I suoi fan (fra i quali mi iscrivo), d'altro canto, sono noti per tuffarsi su qualsiasi cosa sia stata partorita dalla mente dello "zio", come lo chiamano affettuosamente, e più volte hanno dichiarato di essere disposti a leggere anche la sua lista della spesa, certi che il suo stile e la cura per ogni particolare la renderebbero estremamente stimolante, affascinante e finanche struggente.

Ora, con la pubblicazione del primo e corposo volume delle note che ha lasciato al lattaio (purtroppo solo negli anni dal 1982 al 1987), il desiderio viene esaudito!

Da notare, come sempre, il magnifico look del bardo di Northampton e la sobrietà degli anelli che indossa!

L'originale proviene da qui:
http://www.michaelowencarroll.com/covers.htm#alanmoore

Nara

2010-02-01T18:50:00.001+01:00

Per breve tempo capitale del Giappone (nell'ottavo secolo), la città di Nara ospita diversi templi – fra cui il Tōdai-ji, il più grande edificio di legno esistente al mondo – e un vasto parco popolato da migliaia di cervi e cerbiatti, considerati sacri, ai quali è permesso persino di camminare per le strade e di "importunare" i turisti!

Collasso

2010-01-09T10:55:00.004+01:00

Jared Diamond, l'autore di "Armi, acciaio e malattie" (uno dei saggi più interessanti e di ampio respiro che abbia mai letto), restringe – si fa per dire – un po' il campo e in questo "Collasso" (uscito nel 2005) si occupa principalmente di un unico argomento: la fine delle civiltà. Il volume analizza dapprima il crollo di alcune società del passato, più o meno grandi, isolate e integrate con il territorio che le circondava (i maya, l'isola di Pasqua, la civiltà anasazi, l'insediamento vichingo in Groenlandia), illustrando le cause che le hanno portate a un rapido declino, e talvolta alla completa scomparsa, pochi anni dopo che avevano raggiunto il loro picco d'ascesa. Diamond poi si occupa di "disastri" più recenti e di tendenze contemporanee: il genocidio in Ruanda, la crisi di Haiti, il degrado ambientale in Australia, l'instabilità della Cina. E infine prova a trarre da tutto ciò qualche insegnamento e ad azzardare qualche previsione per gli anni a venire. Tanto nel passato quanto nel presente (e quindi, si immagina, nel futuro), infatti, i problemi sono sempre gli stessi e consistono invariabilmente nel degrado del territorio (per esempio, nel caso dell'Isola di Pasqua, la deforestazione), nella non sostenibilità dell'espansione e della crescita demografica (Haiti, Ruanda), nel mancato adeguamento dei propri valori originali alle nuove condizioni (i vichinghi, gli australiani), nella dipendenza dai partner commerciali esterni (Pitcairn, ancora i vichinghi), nei cambiamenti climatici naturali (gli anasazi), e naturalmente in una combinazione di tutto questo (i maya). Non mancano esempi positivi, vale a dire di società che, in qualche modo, sono riuscite a rendersi conto del declino che stavano sperimentando, a individuarne le cause e a "invertire" la tendenza: dal Giappone dell'era Tokugawa, che ha fermato la deforestazione e ha anzi rivitalizzato il proprio territorio, alla Repubblica Dominicana, che a differenza di Haiti ha preservato la propria metà dell'isola Hispaniola, fino – ai giorni nostri – al comportamento di alcune, singole, compagnie petrolifere che hanno capito come curare l'ambiente sia anche nel loro interesse e che ragionare sul lungo periodo (e non solo sui guadagni a breve termine) alla fine convenga anche a loro. Molto spazio è dedicato anche agli Stati Uniti d'America, in particolare a due regioni che – per motivi diversi – si trovano sull'orlo del precipizio: il Montana e l'area di Los Angeles. La causa principale di declino, comunque, viene quasi sempre identificata nell'impatto dell'uomo sull'ambiente, di volta in volta traducibile nell'uso eccessivo o sbagliato delle risorse (il legno, il pesce, il suolo, con crescita dell'erosione, della salinizzazione, dell'inquinamento), che a sua volta dipende o è motivata dagli altri elementi considerati (la crescita demografica, l'instabilità politica o economica, ecc.).
Il principale difetto del libro, purtroppo, coincide con uno dei suoi pregi: lo stile divulgativo con cui è scritto. Diamond è assai didascalico, quasi tutti i concetti sono ripetuti più e più volte, anche a distanza di poche righe, come a essere certo che entrino nella mente del lettore; in ogni capitolo vi sono continui riferimenti e riepiloghi del contenuto dei precedenti o dei successivi; e ogni fenomeno è spiegato fin troppo schematicamente, con un dettagliato elenco di cause e motivi, come se l'autore stesse parlando a un auditorio di studenti che devono prendere appunti. Nonostante questo, è una lettura parecchio interessante.

Il 2009 al cinema

2010-01-01T01:00:00.013+01:00

Eccoci, come di consueto, alle mie considerazioni personali sulle visioni in sala nell'anno appena trascorso. Il 2009 si era aperto con una serie di titoli decisamente buoni: fra questi (oltre al bel "Milk" di Gus Van Sant), ricordo alcuni film di registi che non amo particolarmente ma che stavolta mi hanno davvero sorpreso in positivo, come "The wrestler" di Darren Aronofsky, "Revolutionary Road" di Sam Mendes e soprattutto lo straordinario "Two lovers" di James Gray, probabilmente la pellicola che ho preferito fra tutte quelle viste in sala nell'anno appena trascorso. Non mi sono invece stracciato le vesti per "Gran Torino" di Clint Eastwood e per "Il curioso caso di Benjamin Button" di David Fincher, che – pur piacendomi – mi sono sembrate decisamente sopravvalutate da pubblico e critica. Lo stesso vale per il tanto celebrato "Bastardi senza gloria" di Quentin Tarantino, che mi è parso ben distante dai suoi film migliori, pur rappresentando un passo avanti rispetto al disastroso "Grindhouse". Non male invece Lars von Trier con il suo assai discusso "Antichrist". A differenza dell'anno precedente, il 2009 mi ha invece deluso dal lato del cinema commerciale e/o d'intrattenimento. Né "Watchmen" di Zack Snyder né lo "Star Trek" di J.J. Abrams si sono rivelati all'altezza delle aspettative e del materiale di partenza. Molto più interessante è stato "Franklyn" del debuttante Gerald McMorrow. La stagione dei festival ha portato molte buone pellicole: ricordo su tutti "Un prophète" di Jacques Audiard (ancora inedito nelle sale italiane!), "Il nastro bianco" di Michael Haneke e "Il mio amico Eric" di Ken Loach a Cannes; "Lourdes" di Jessica Hausner, "Soul Kitchen" di Fatih Akin e "Accident" di Soi Cheang a Venezia. I mesi autunnali e invernali sono stati dominati dal cinema d'animazione, con la grande novità del 3D che sta lentamente prendendo piede (per quanto personalmente mi lasci freddino e perplesso: aspettiamo Cameron per capire se si tratta di uno strumento davvero utile alla settima arte). Il miglior titolo del gruppo è stato senza dubbio "Up" della Pixar, ovviamente considerando fuori concorso il capolavoro "Il mio vicino Totoro" di Hayao Miyazaki (distribuito nel 2009 ma realizzato nel 1988!), che altrimenti sarebbe di diritto il miglior film dell'anno. Qualche personal cult come "Io, Don Giovanni" di Carlos Saura e "Ricky" di François Ozon, oltre a una manciata di graditi ritorni (Terry Gilliam con "Parnassus", Francis Coppola con "Segreti di famiglia", Pedro Almodóvar con "Gli abbracci spezzati"), hanno infine ravvivato il finale di un anno che si è concluso senza infamia e senza lode ma che comunque ritengo più soddisfacente del 2008. Speriamo in un 2010 ancora migliore, a cominciare da "Avatar".

Shikoku

2009-12-28T17:20:00.000+01:00

Shikoku è la più piccola delle quattro isole maggiori che compongono l'arcipelago giapponese. L'abbiamo raggiunta attraversando il ponte Akashi-Kaikyō e ci siamo rimasti per alcuni giorni, ospiti di Nagae-san, un amico di Hiromi che abita lì. Abbiamo visitato le terme Dogo Onsen a Matsuyama e il santuario Konpira-san, in cima a una collina a Kotohira.

Opera Omnia

2009-11-15T23:40:00.001+01:00

Cari amici, oggi nasce ufficialmente un nuovo blog da me curato, che avrà come argomento nientemeno che l'opera lirica.
No, non sono impazzito! Ho semplicemente deciso di dare sfogo in qualche modo a un'altra delle mie grandi passioni, sperando magari di riuscire a far avvicinare al mondo dell'opera chi finora se fosse tenuto lontano per un ingiustificato timore reverenziale o semplicemente per la mancanza di spunti o di occasioni di contatto. Oltre a recensioni varie, su "Opera Omnia" (bel titolo, eh?) pubblicherò infatti una serie di "guide all'ascolto" che analizzeranno celebri opere brano per brano – grazie anche ai video di YouTube – a beneficio dei neofiti.
Dateci un'occhiata, vi aspetto lì!

Kyoto

2009-09-28T20:25:00.002+02:00

A Kyoto, meta obbligata di qualsiasi viaggio in Giappone, abbiamo trascorso due caldi e afosissimi giorni a inizio agosto, fra templi e santuari, giardini e padiglioni imperiali, pagode e case di legno, i vicoli e i ristoranti del distretto Pontochō, i viottoli e la "passeggiata del filosofo".

Le babbucce di zinco

2009-09-14T09:45:00.030+02:00

"Le babbucce di zinco" è un romanzo in 2648 capitoli di 11 parole ciascuno, opera del grande scrittore ottocentesco Melone K. Tolstoloj. A dire il vero, inizialmente la lunghezza dei capitoli era ben maggiore, ma il Tolstoloj fu costretto (a roncolate) dal suo editore a ridurla drasticamente: ciò non gli ha impedito di realizzare un capolavoro che fonde passione, intrigo, amore, guerra, mistero, organi senzienti, Vichinghi e seppie di Plutone. Il primo dei quattro volumi in cui è divisa l'opera, "Le ghette di ghisa" è ora disponibile qui in versione cartonata (688 pagine, 26,96 euro) ma anche in pdf scaricabile gratis. Avendo collaborato all'edizione italiana come correttore di bozze, non posso che consigliarne la lettura a tutti coloro che si dilettano con le opere dei grandi maestri.

Torna Lamù!

2009-09-13T18:30:00.000+02:00

Dopo un'attesa di quasi vent'anni, il 29 gennaio 2010 sarà in vendita in Giappone un nuovo OAV di Lamù! Si tratterà di un semplice video di 30 minuti, tratto da un episodio minore del manga, ma comunque sarà bello rivedere in azione gli abitanti di Tomobiki dopo tanto tempo (la loro ultima apparizione era stata nel sesto film, "Itsudatte My Darling" del 1991). Lo speciale – parte di un progetto più ampio chiamato "It's a Rumic World" – sarà accompagnato da due OAV dedicati ad altre due creazioni di Rumiko Takahashi, vale a dire Ranma 1/2 e Inuyasha. Qui sotto il divertente promo, distribuito in occasione del cinquantesimo anniversario della rivista Shonen Sunday (dove le tre serie a fumetti erano state inizialmente pubblicate), che mostra l'incredibile e tanto atteso incontro fra i protagonisti di Urusei Yatsura, Ranma e Inuyasha.

E qui, invece, il trailer del nuovo OAV di Lamù:

Monster

2009-09-03T18:10:00.003+02:00

Dopo aver scoperto il mangaka Naoki Urasawa con l'eccezionale "20th Century Boys" (anzi, riscoperto, visto che tempo addietro avevo già letto qualche volumetto di "Pineapple Army" e di "Yawara!"), quest'estate mi sono gustato "Monster", la sua opera immediatamente precedente a quella dei ragazzi del ventesimo secolo. Si tratta di un thriller avvincente e tesissimo, tutto incentrato sul tema dell'identità, oltre che su quello – più abusato – delle origini del male. Caratterizzato da un'ambientazione insolita per un manga (si svolge tutto in Germania e a Praga), ha i suoi punti di forza ancora una volta nell'ottima caratterizzazione psicologica dei personaggi e in un mistero che si dipana lentamente, pagina dopo pagina, fino al colpo di scena finale. Raccolto in diciotto volumi, il manga non ha un attimo di pausa dall'inizio alla fine: durante la lettura mi sono imposto il limite di un solo volumetto al giorno per non "bruciarmelo" troppo velocemente, visto che – come anche per "20th Century Boys" – la tentazione di andare avanti per scoprire gli sviluppi della vicenda era spesso fortissima. Quanto sia avvincente lo dimostra il fatto che se lo è divorato in pochi giorni persino mia madre, che normalmente non legge fumetti e che prima d'ora non aveva mai preso in mano un manga, per di più con il senso di lettura originale (da destra a sinistra).
Il protagonista è un neurochirurgo sconvolto dai sensi di colpa perché un bambino che aveva operato dieci anni prima, salvandogli la vita, è diventato uno spietato serial killer. Naturalmente la vicenda non è tutta qui, visto che ai due personaggi principali se ne aggiungono numerosi altri (una delle caratteristiche che più mi piacciono di Urasawa è la capacità di prendere un personaggio secondario e di approfondirlo significativamente, rendendolo protagonista di importanti spezzoni di trama) e che molti misteri circondano la nascita e la personalità del "cattivo".
L'edizione italiana, nel complesso, è buona, anche a livello di traduzione, mentre la cura editoriale lascia un po' a desiderare. Qualche traslitterazione dal tedesco è errata o incoerente, e un paio di balloon nei volumetti conclusivi sono invertiti. Il fumetto è stato trasposto in animazione in una serie di ben 74 episodi che, a questo punto, proverò a procurarmi, anche perché alcuni amici me ne hanno parlato molto bene.

Una materia oscura

2009-08-29T08:02:00.003+02:00

L'aveva segnalata anche Attivissimo, ma una simile concentrazione di cazzate, per di più in un tg nazionale, merita di essere esposta al pubblico ludibrio il più possibile.

In viaggio con Erodoto

2009-08-27T10:49:00.007+02:00

Il libro di Erodoto è un libro nato dai viaggi: il primo grande reportage della letteratura mondiale. Il suo autore possiede l'intuito, l'occhio e l'orecchio del reporter. Ha una resistenza a prova di bomba: naviga per mare, traversa steppe, si addentra nei deserti, sempre tenendo il resoconto di tutto. Non si lamenta per la stanchezza, niente lo scoraggia, niente gli fa paura. Che cosa lo guida quando, impavido e instancabile, si lancia nella sua grande avventura? Forse l'ottimistica convinzione, in cui noi moderni con crediamo più, che il mondo si possa descrivere.

Corrispondente estero di un'agenzia di stampa polacca, Ryszard Kapuściński (1932-2007) ha portato con sé una copia sgualcita delle "Storie" di Erodoto nel corso di tutti i suoi viaggi, leggendola e rileggendola in continuazione. Questo affascinante testo edito da Feltrinelli, per molti versi non poi così differente dai suoi celebri reportage, ripercorre in chiave autobiografica alcune delle tappe più significative della sua carriera di globe-trotter, rivelando come l'opera dello storico greco lo abbia aiutato a interpretare, a comprendere o a descrivere gli eventi del mondo che lo circonda. Le pagine del testo antico, con le sue accurate descrizioni di popoli esotici e guerre sanguinose, mescolando, "al pari di Shakespeare, il microcosmo delle passioni umane e il macrocosmo delle vicende storiche", fanno da contrappunto ai viaggi del reporter polacco in India, in Cina e in Africa. Il risultato è un affascinante compendio della storia dell'umanità stesssa, che dimostra come vicende ed esistenze di duemilacinquecento anni prima possano fungere da chiave interpretativa per quelle dei nostri tempi. Ma il libro è anche un grande omaggio alla cultura, all'arte e all'approccio "giornalistico" di Erodoto, al suo "bisogno di viaggiare, toccare con mano, raccogliere dati, confrontarli ed esporli".

Himeji

2009-08-14T12:00:00.009+02:00

Il castello di Himeji, non lontano da Osaka, è uno dei più famosi e visitati di tutto il Giappone. Risale al quattordicesimo secolo, ma è stato ampliato da Toyotomi Hideyoshi nel 1580. Akira Kurosawa vi ha girato alcune scene dei suoi film "Kagemusha" e "Ran".

Kanazawa

2009-08-07T12:00:00.011+02:00

A Kanazawa c'è il Kenroku-en, uno dei più celebri giardini giapponesi, ricco di alberi, laghetti, ponti, fontane, padiglioni, fiori e cascatelle, e visitabile in ogni stagione. Un tempo privato, è aperto al pubblico dal 1874. Abbiamo visitato anche Nata-dera, un complesso di templi buddisti scavati nella roccia.

Omaki Onsen

2009-07-30T12:00:00.004+02:00

Siamo stati alle terme Omaki, nella prefettura di Toyama, raggiungibili solo via fiume. Purtroppo il maltempo dei giorni precedenti aveva reso torbide le acque, altrimenti di uno splendido colore. La permanenza alle terme è stata rilassante e gradevolissima, così come l'abbondante cena che ci è stata offerta.

Shirakawa-go

2009-07-24T19:24:00.008+02:00

Il villaggio montuoso di Shirakawa-go, nella prefettura di Toyama, ospita ancora molti esempi di case costruite nel vecchio stile "gassho-zukuri", con tetti robusti e resistenti per far fronte alle abbondanti nevicate invernali. Attorno alle case ci sono numerosi campi e risaie.

E.R. - Omeopati in prima linea

2009-07-15T09:40:00.002+02:00

Cosa succederebbe se l'omeopatia e le altre discipline "alternative" sostituissero la medicina tradizionale nelle corsie ospedaliere? Ce lo mostra questo divertente sketch (purtroppo solo in inglese) di Mitchell e Webb: gustatevelo fino alla fine!

Ise

2009-06-28T18:12:00.027+02:00

La penisola di Ise, nel Kansai (non distante da Osaka), è nota soprattutto per il santuario scintoista Ise-Jingu, uno dei luoghi più sacri del Giappone. Il complesso, dedicato alla dea Amaterasu, comprende numerosi templi interamente di legno che vengono distrutti e riedificati ogni vent'anni (sia per simboleggiare il ciclo di morte e rinascita, sia per tramandare alle generazioni successive l'arte della sua costruzione). Sulla costa abbiamo anche visitato le Meoto Iwa (le rocce sposate).

Kamakura

2009-05-30T19:30:00.012+02:00

Kamakura, a una cinquantina di chilometri da Tokyo, è celebre soprattutto per il Daibutsu, la grande statua di Buddha custodita nel tempio Kōtoku-in. Ma la cittadina (che nel dodicesimo secolo fu anche per un breve periodo la capitale del Giappone) ospita numerosi altri templi buddisti e santuari scintoisti.

Tokyo (3)

2009-05-25T19:50:00.009+02:00

Ultime immagini di Tokyo: Asakusa, con la folla che si raduna per osservare i celebri fuochi d'artificio sul fiume Sumida nell'ultimo sabato di luglio; e il vicino quartiere di Kappabashi, dove vengono fabbricati gli incredibili fac-simili di piatti e pietanze da esporre nei ristoranti di tutto il Giappone.

Tokyo (2)

2009-05-11T19:48:00.006+02:00

Altre immagini di Tokyo: il tempio buddhista Sensō-ji di Asakusa; strani incontri ad Akihabara, il quartiere dei manga e dell'elettronica; le affollate e variopinte strade di Shibuya, e dei mercati di Harajuku e Ameyoko; una sala da pachinko; le statue di Jizō nel parco Shiba; animali vivi o di pietra nel parco di Ueno.

L'arte di dettare una lettera

2009-05-07T10:44:00.006+02:00

Groucho Marx (1930):

Totò (1956):

Bernoulli in Formula Uno

2009-04-25T16:41:00.006+02:00

La Toro Rosso, scuderia che partecipa al campionato di Formula Uno, ha emesso un curioso comunicato stampa, che è stato pubblicato pari pari da moltissimi siti giornalistici (?) sportivi. Ecco come appare sui siti di Eurosport (in italiano) e Motorsport (in inglese):

La Scuderia Toro Rosso è lieta di annunciare che Daniel Bernoulli si è unito alla squadra per la direzione del gruppo di lavoro dedicato al nuovo diffusore. Lo specialista svizzero in dinamica dei fluidi fu il primo a formulare il principio del flusso sotto-vettura, conosciuto universalmente quale “il Principio di Bernoulli”. “Sono onorato di poter lavorare con lui” ha commentato il Direttore Tecnico, Giorgio Ascanelli.

Che dire? Per uno che ha più di trecento anni, è una bella svolta.

Tokyo (1)

2009-04-19T12:48:00.005+02:00

A Tokyo siamo rimasti per una settimana, purtroppo un po' guastata dal maltempo. In questa prima infornata di immagini, ecco un po' di architetture curiose, con la celebre Tokyo Tower (modellata sulla Torre Eiffel), edifici di Shinjuku e Ginza (l'Apple Store) e il modernissimo Convention Center.

Nikko

2009-01-28T22:55:00.021+01:00

Nikko, piccola ma celebre cittadina di montagna, ospita il mausoleo dello shogun Tokugawa Ieyasu (il santuario Tosho-gu, famoso anche per le "tre scimmiette") e diversi templi buddhisti. Siamo anche stati nel vicino parco nazionale, in particolare al lago Chuzenji e a vedere le cascate Kegon.

L'inno nazionale giapponese

2009-01-09T21:51:00.003+01:00

Osaka

2009-01-07T17:00:00.003+01:00

Continuo a postare alcune foto del viaggio dell'estate scorsa in Giappone. Ecco delle immagini di Osaka, dove abita Hiromi, città di castelli antichi e moderni. Curiosamente è gemellata con Milano. È anche celebre per la cucina (ma al cibo del Giappone dedicherò un post a parte).

Il 2008 al cinema

2009-01-01T00:01:00.008+01:00

Quello appena trascorso è probabilmente l'anno cinematografico peggiore che io ricordi. Questione di film, ma anche di distribuzione: nelle sale sembra ormai esserci posto solo per pellicole italiane e americane, la produzione del resto del mondo (Asia in primis) è quasi sparita e il cinema cosiddetto d'autore ci mette del suo sfornando lungometraggi noiosi o inguardabili (la rassegna di Cannes è stata una sofferenza continua, a quella di Venezia ci ho persino rinunciato dopo aver letto il programma). Non a caso ai festival vanno per la maggiore soprattutto retrospettive e recuperi dal passato. Meno male che proprio il cinema italiano ha dato segni di vitalità con alcune pellicole buone ("Il divo", "Pranzo di ferragosto") e una davvero ottima ("Gomorra", che non mi sorprenderei veder vincere, tra qualche mese, l'Oscar come miglior film straniero). Per il resto, se il cinema d'autore sembra essere in crisi di idee e di ispirazione (anche per colpa del ricambio generazionale: i giovani registi non sembrano all'altezza dei loro predecessori), quello mainstream riesce ancora a sparare delle buone cartucce. Per questo motivo, fra i migliori film che ho visto al cinema nel corso degli ultimi dodici mesi, figurano quasi soltanto pellicole di puro intrattenimento: su tutti i cartoon "Wall-e" della Pixar e "Kung Fu Panda" della DreamWorks e i supereroi "Iron Man" di Jon Favreau e "Il cavaliere oscuro" di Christopher Nolan. Oltre ai succitati italiani, vanno poi ricordati "La classe" di Laurent Cantet, "Nessuna verità" di Ridley Scott, "L'ultima missione" di Olivier Marchal, "The millionaire" di Danny Boyle e "Gake no ue no Ponyo" di Hayao Miyazaki (che sono dovuto andare a vedermi in Giappone: da noi uscirà, forse, solo nel 2009). Il resto è quasi tutto da dimenticare. In particolare ho detestato due film che invece hanno avuto un buon riscontro di critica, "Non è un paese per vecchi" dei fratelli Coen e "Racconto di Natale" di Arnaud Desplechin. Delusione preventivata per "Sweeney Todd" di Tim Burton, tutto sommato limitata per "Indiana Jones e il regno del teschio di cristallo" di Spielberg, e invece inattesa per "Un bacio romantico" di Wong Kar-Wai. Il vincitore del mio Oscar personale del 2008? Per ora sono indeciso fra "Gomorra" e "Wall-e": una seconda visione di entrambi, in DVD, mi chiarirà i dubbi.

Fennec

2008-12-23T12:26:00.005+01:00

Lewis Trondheim sembra davvero un pozzo senza fondo, capace di sfornare fumetti e sceneggiature con estrema facilità e senza sosta (alcuni suoi lavori, come l'esilarante "Mister O", sembrano schizzi realizzati mentre parla al telefono o pensa ad altro!). Peccato che in Italia non riesca a riscuotere lo stesso successo che ha in Francia: le edizioni nostrane delle sue serie principali, la bellissima "Lapinot" e la stratificata "La fortezza", sono state interrotte a più riprese e l'unico modo per seguirle è quello di imparare la lingua d'oltralpe. Ogni tanto, però, qualche editore prova a pubblicare qualcosa della sua sterminata produzione. All'ultima fiera di Lucca mia sorella ha acquistato questo libricino da lui incentrato sulle avventure comiche e avventurose di una "volpe del deserto" che si dipanano, fra animali parlanti e cattiverie assortite, in una serie di tavole (anzi, di mezze tavole: che l'opera originale fosse destinata a un volume cartonato alla francese?) ricche di gag e di idee. La lettura è breve, e il prezzo è forse un po' altino, ma il fascino fiabesco della vicenda, l'umorismo cinico di Lewis e i bei disegni ad acquarello di Yoann (che già aveva collaborato con Trondheim su un volume di "Donjon Monsters") valgono sicuramente la pena.

Lilith 1

2008-12-21T10:22:00.004+01:00

Il primo numero della nuova serie bonelliana di Luca Enoch (semestrale, come la precedente "Gea", e interamente realizzata – testi e disegni – dall'autore milanese) non convince pienamente. Non tanto per la storia in sé (che vede l'eroina protagonista, proveniente dal futuro, tornare ai tempi della guerra di Troia), quanto per la struttura "a tema" che lascia prevedere una serie di albi sempre uguali, in cui cambierà di volta in volta soltanto l'ambientazione (la copertina del numero due preannuncia già una vicenda ambientata fra i pirati dei Caraibi) ma non la sostanza (l'eroina dovrà dare la caccia a un parassita alieno che si annida nel corpo di un personaggio storico: solo quando li avrà sterminati tutti, l'umanità del futuro sarà salva). "Gea", almeno inizialmente, lasciava aperte molte più prospettive e risultava sicuramente più intrigante. Restano i bei disegni e l'impostazione personale della narrazione: in fondo due numeri all'anno sono pochi e forse varrà la pena continuare a seguire la serie, sperando magari in qualche sorpresa a livello, se non di soggetto, almeno di sceneggiatura.

Yakushima

2008-11-19T13:46:00.004+01:00

La seconda tappa del nostro viaggio in Giappone, l'isola di Yakushima, è stata una vera sorpresa: mare, spiagge, montagne, boschi, fiumi, cascate, animali e soprattutto alberi giganteschi e antichissimi: una vera meraviglia! Le foreste che ricoprono l'isola hanno ispirato Hayao Miyazaki nella creazione del magico mondo del suo film "Princess Mononoke".

Okinawa

2008-11-15T13:14:00.002+01:00

Con qualche mese di ritardo, comincio a postare le foto del viaggio in Giappone che ho fatto questa estate insieme a Hiromi. Iniziamo con Okinawa, la maggiore delle isole Ryukyu, le più meridionali del paese, culla di un'antica cultura che a lungo tempo è rimasta separata dal resto del Giappone.

La grandezza di Barks

2008-11-11T22:55:00.003+01:00

Dopo aver proposto nei primi 32 volumi le storie scritte e disegnate da Carl Barks nel periodo 1950-1967, la collana "La grande dinastia dei paperi" abbinata al Corriere della Sera ha recuperato nei volumi successivi tutte le storie del periodo precedente, quello degli esordi del maestro dell'Oregon, che va dal 1942 al 1949. È evidente che chiunque voglia scoprire e godersi l'opera omnia di Zio Carl debba iniziare la lettura proprio da questi volumi. Le storie che contengono, infatti, non sono affatto brutte: anzi, sono bellissime sin da subito. Se sono state posticipate è solo perché sono considerate "vecchie": il microcosmo che presentano è infatti distante anni luce da quello, più avventuroso, a cui sono avvezzi ormai da sessant'anni i lettori Disney, e mostrano un personaggio principale, Paperino, che è ancora essenzialmente una macchietta comica e nulla più. Donald Duck, nato in un cortometraggio one shot ma riciclato subito nei fumetti, era infatti praticamente uno dei tanti comprimari delle storie di Topolino, anche se la sua personalità fuori dalle righe ne aveva subito lasciato intravedere le grandi potenzialità e aveva suggerito agli studios di renderlo protagonista di storie "in solitario": ma anche quest'ultime erano poco più che una serie di gag, sul tipico stile del cortometraggio animato. Il suo mondo era ristretto, i personaggi che gli orbitavano attorno erano pochissimi e stereotipati (Qui, Quo e Qua non erano altro che sue copie in miniatura, modellate – come Tip e Tap di Topolino – sui nipotini di Happy Hooligan; e Paperina era la sua versione femminile, priva di personalità: inoltre, essendo ancora assente Gastone – introdotto proprio da Barks – il suo ruolo non era sfruttato compiutamente), il largo respiro ancora assente (nonostante già alcuni autori – Gottfredson e Pedrocchi in primis – avessero intuito le potenzialità non solo comiche del personaggio).

Quando Barks comincia a lavorare su Donald Duck, dunque, ha a disposizione un character che fa poco più che litigare con Cip e Ciop nel suo giardino e sbraitare a pugni chiusi e con il volto paonazzo di fronte a ogni marachella dei suoi discoli nipotini. Eppure zio Carl riesce lo stesso a dare vita a una serie di brevi racconti (le storie di dieci pagine pubblicate sull'albo Walt Disney's Comics and Stories) divertenti e dinamici come gli short animati. Quel mondo, però, gli sta stretto. E gradualmente lo allarga, introducendo via via tutta una serie di nuovi comprimari e trasformando il cosmo dei paperi da un sottogruppo di quello di Topolino (all'inizio è evidente che Paperino e Topolino vivono nella stessa città) a un mondo con una propria identità geografica e culturale. L'introduzione di Gastone, zio Paperone, Archimede, i Bassotti, Amelia, Cuordipietra Famedoro, Rockerduck, eccetera, rende il setting non più adatto soltanto a siparietti comici, ma ad avventure epiche e fantastiche di tutti i tipi e di largo respiro, a passioni dirompenti (invidia, gelosia, avarizia, amore) e non più macchiettistiche, a personaggi che cessano di essere animali buffi e diventano esseri umani in tutto e per tutto (poco importa che abbiano becco e piume!). In questo sta la grandezza di Barks: non solo nell'aver realizzato storie meravigliose e indimenticabili (il che già basterebbe per giustificare la sua fama), ma di averlo fatto partendo da un materiale che era paragonabile a Tom & Jerry.

In maniera simile al passaggio dal Thimble Theater di Segar a Popeye, la trasformazione da microcosmo comico-infantile in macrocosmo avventuroso-adulto non è però immediata o dovuta semplicemente all'introduzione di un personaggio. Essa avviene per gradi. Come Thimble Theater non diventa avventuroso solo quando Braccio di Ferro fa la sua apparizione (la saga della gallina fischione era già avviata, ed era indubbiamente avventurosa), allo stesso modo il mondo dei paperi Disney non lo diventa solo con l'arrivo di Zio Paperone. Questi personaggi nascono come interpreti ideali di una tendenza che, da parte dell'autore, era già in atto da tempo. Nelle storie lunghe, quelle originariamente pubblicate sull'albo Four color, Barks aveva già reso protagonista Paperino e i nipotini di vicende complesse ed epiche, a volte addirittura dai toni horror, nei quali i personaggi avevano mostrato personalità del tutto assenti nelle gag di Taliaferro e persino nei brevi ruoli che Gottfredson aveva lasciato al papero all'interno di storie, per il resto, "serie". Zio Carl aveva già donato umanità e realismo ai suoi personaggi, li aveva già resi tridimensionali e aveva fatto capire che avrebbero potuto essere protagonisti di ogni sorta di narrazione (come avrebbero dimostrato in seguito anche i bravi autori italiani: si pensi alle "Grandi Parodie"). Mancava soltanto l'ultimo tassello, l'allargamento del mondo nel quale vivevano. Mancava Zio Paperone, forse il più grande personaggio dei fumetti di sempre, ideato dal più grande autore di fumetti di sempre.

Chi ha incastrato Nicola Cabibbo?

2008-10-07T14:55:00.014+02:00

Ho appena letto la notizia dell'assegnazione del Premio Nobel per la Fisica ai giapponesi Makoto Kobayashi e Toshihide Maskawa (oltre che al loro connazionale Yoichiro Nambu). Si tratta di due nomi a me ben noti, visto che la "famigerata" matrice CKM (Cabibbo-Kobayashi-Maskawa), che descrive il mescolamento degli stati dei quark nel Modello Standard della fisica delle particelle elementari, era al centro della mia tesi di laurea sullo studio della violazione della simmetria CP (a qualcuno forse sembrerà che io stia parlando arabo...).
Ebbene, la domanda che sorge subito in mente è questa: che fine ha fatto Nicola Cabibbo? Perché il premio Nobel non è stato assegnato anche allo scienziato italiano? Fra l'altro, forse lo avrebbe meritato anche più dei colleghi giapponesi, visto che l'idea originale della matrice è stata sua, anche se è vero che quella proposta da Cabibbo era solo a due dimensioni (prendeva in considerazione soltanto i quark up e down) e che i fisici nipponici l'hanno generalizzata a tre famiglie di quark. Mah.

Aggiornamento: sulla stampa italiana compaiono in effetti alcune reazioni polemiche per l'esclusione di Cabibbo dal riconoscimento. Ecco gli articoli online de La Repubblica, de La Stampa e del Corriere della Sera.

Nomen omen

2008-09-26T12:29:00.005+02:00

Il nuovo segretario della CEI (Conferenza Episcopale Italiana) si chiama monsignor Crociata. Ed è pure un "esperto nel dialogo con l'Islam"...

Che dire? Dopo un capo della polizia che si chiama Manganelli, non potevamo aspettarci niente di meno. Sembra di essere a Topolinia.

I miei viaggi

2008-09-20T16:30:00.004+02:00

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La scienza in Italia nel 2008

2008-09-11T09:23:00.007+02:00

Alcuni commenti sentiti ieri sera a proposito della messa in funzione del LHC:

“Per fortuna non è successo niente.”
(vari commentatori televisivi)

“Tutto è andato come previsto, almeno così affermano gli scienziati...”.
(vari giornalisti televisivi)

“Altri hanno manifestato il timore che si possa invece generare anti-materia – i cosiddetti buchi neri – ...”
(agenzia Reuters)

“Dio non lo si può trovare per esperimento: salvo che non si tratti di forzature giornalistiche, parlare di ricerca della particella di Dio mi sembra senza dubbio improprio. (...) Non comprendo che cosa cerchino e tanto entusiasmo.”
(mons. Elio Sgreccia, presidente emerito della Pontificia Accademia della Vita)

Domani...

2008-09-09T18:24:00.002+02:00

Ho trovato una plausibile simulazione di quello che avverrà domani al CERN:

La fine del mondo

2008-09-05T10:29:00.012+02:00

Come avevo già preannunciato, il prossimo 10 settembre (fra soli cinque giorni, dunque) è possibile che ci sia la fine del mondo. Ecco come probabilmente La Repubblica commenterà la notizia (l'immagine proviene dal blog di Claudia Di Giorgio, anche se non è farina del suo sacco):

Aggiornamento: ecco un altra pagina di Repubblica. Imperdibile il commento della Carlucci: "La colpa è di Maiani!"

Arrivederci!

2008-07-01T00:01:00.004+02:00

Nei prossimi due mesi, mi trovate qua:

Mythèon, episodio 10

2008-06-18T10:13:00.005+02:00

Su www.mazzate.com è finalmente online il decimo episodio di Mythèon, la saga a fumetti da me realizzata quasi vent'anni fa sui banchi di scuola. Si tratta del capitolo finale, come indica il roboante e programmatico titolo. Spero che l'opera nel suo complesso vi sia piaciuta e che non troviate la fine un po' affrettata (ho volutamente lasciato in sospeso la sorte dei pochi personaggi "sopravvissuti", anche perché a quei tempi avevo una mezza idea di scriverne un seguito). La pubblicazione sul web è stata dovuta soprattutto alla volontà di mia sorella, che lo ha gentilmente ospitato sul suo sito. Da parte mia io avrei anche lasciato l'opera in un cassetto, ma ormai non si può più tornare indietro. In ogni caso, Mythèon non finisce qui: esistono anche due brevi episodi parodistici che forse andranno online fra qualche mese.

2001 in 9 minuti

2008-06-07T09:32:00.006+02:00

Volete rivedere "2001 Odissea nello spazio" ma avete solo nove minuti di tempo? Ecco la soluzione!

Mythèon, episodio 9

2008-05-31T23:19:00.004+02:00

Eccoci al nono e penultimo capitolo di Mythèon, ovvero al tanto atteso e temuto "spiegone"! Finalmente, dopo la scoperta dell'identità del cattivo nello scorso episodio, vengono svelati tutti i rimanenti misteri di questa stupefacente saga! Tutto torna, tutto combacia, tutto si incastra perfettamente (o quasi), ed è un miracolo, visto che quando avevo scritto il primo episodio non avevo ancora in mente come far proseguire la storia... ^^;
Purtroppo per voi, in questo episodio e nel successivo ho dovuto realizzare i disegni personalmente, senza più l'aiuto dei validi collaboratori dei capitoli 5-8: noterete però che ho abbandonato lo stile più infantile dei primi capitoli per "scimmiottare" quello di Matt, che aveva così brillantemente caratterizzato i personaggi negli episodi precedenti. Entro qualche settimana potrete leggere l'epica conclusione: stay tuned!

Omeopati e pure censori

2008-05-20T15:54:00.009+02:00

È di qualche giorno fa la notizia della morte di una ragazzina diabetica perché una dottoressa omeopata aveva consigliato ai suoi genitori di sostituire la terapia di insulina che stava seguendo con la somministrazione di un intruglio a base di vitamine. E della mancanza di scientificità dell'omeopatia, i cui effetti non sono migliori di quelli di un placebo, si potrebbe discutere a lungo.

Ma non è di questo che volevo parlare, bensì della statura morale e professionale di una delle tante organizzazioni che pretendono di relazionarsi "alla pari" sull'argomento con il mondo scientifico e accademico, senza però accettarne le regole, in maniera non dissimile dai creazionisti quando cercano di dare una patina di scientificità alle loro convinzioni. Soltanto di recente sono infatti incappato in un interessante articolo di Ben Goldacre, pubblicato su The Guardian il 20 ottobre 2007, del quale consiglio la lettura.

Qui c'è la notizia originale, qui invece lo stesso articolo è postato nel suo blog www.badscience.net, con tanto di fonti e di commenti.

Mythèon, episodio 8

2008-05-08T13:29:00.008+02:00

L'ottavo episodio di Mythèon (online come sempre su www.mazzate.com) è letteralmente diviso in due. Avrei dovuto disegnarlo tutto io (era dalla prima parte del quinto episodio che non mi impegnavo alle matite), ma dopo sei pagine Matt mi ha chiesto di poter realizzare la parte conclusiva del capitolo. Gli ho lasciato anche mano libera nella sceneggiatura per le tavole 8-10, raccomandandogli solo di far giungere i nostri eroi incolumi nella sala di controllo (a proposito, è divertente confrontare come l'ha disegnata lui in questa tavola e come l'avevo introdotta io in questa). L'ultima tavola rivela finalmente l'identità del nemico, quindi non andate a sbirciare!

Aiuto, vogliono distruggere l'universo!

2008-04-20T18:18:00.011+02:00

Due deficienti, che hanno forse visto troppi film di fantascienza e hanno studiato troppa poca fisica, hanno chiesto al tribunale delle Hawaii di bloccare la costruzione del Large Hadron Collider (LHC), il più potente acceleratore di particelle mai progettato, perché potrebbe essere la causa di "apocalisse e catastrofi cosmiche". L'acceleratore, infatti, sarà così potente da generare al suo interno microscopici buchi neri in grado eventualmente di inghiottire l'intera Terra se non addirittura tutto l'universo (!!!). Fortunatamente il LHC non sorge su territorio americano ed è un progetto di un'organizzazione intergovernativa europea (il CERN), dunque non dovrebbero esserci problemi per un esperimento che dovrebbe rappresentare uno dei traguardi più entusiasmanti della fisica delle alte energie (scopriremo finalmente il bosone di Higgs?). Quanto ai buchi neri, è la massa a renderli pericolosi: quelli prodotti dall'urto di poche particelle, seppur molto energetiche, sarebbero destinati a scomparire da soli nell'arco di frazioni di secondi, proprio come già capita, secondo le teorie, a quelli che vengono continuamente generati, anche nel momento in cui state leggendo, dai raggi cosmici.

Napoleone a Waterloo

2008-04-04T13:50:00.024+02:00

Ecco un esempio della cultura di chi dirige le grandi aziende italiane, nonché della pochezza di un certo stile di "motivatori" aziendali. Si tratta di un top manager di Telecom Italia che arringa i propri dipendenti. Oltre all'impagabile gaffe su Napoleone, vi faccio notare la retorica, il lessico, la grammatica, le volgarità e naturalmente le numerose metafore calcistiche disseminate in meno di due minuti.

Questo è il messaggio a cui tengo molto.
Perché ho la faccia incazzata?
Ho la faccia incazzata perché... respiro sfiducia...
respiro aria di aspettativa...
respiro quelle facce da senso critico¹
come quando uno vede una partita di pallone,
non ce la fa, tutti sono professori.
Perché?
Perché la gente legge i giornali, vede il titolo, si rimbalza,
si crea dei grandi film che sono tutte cazzate.
Oggi non parlo di Alessandro, parlo di Napoleone.
Napoleone a Waterloo, una pianura, in Belgio,
fece il suo capolavoro.
Tutti lo davano per... fatto, per cotto.
Per la supremazia degli avversari, ci aveva cinque grandissime nazioni contro,
delle forze in campo.
Però strategia, chiarezza delle idee, determinazione, forza,
Napoleone fece il suo capolavoro a Waterloo.
Allora, le facce scettiche... le facce di... non servono a un cazzo.
Questa è una delle aziende più belle che esiste al mondo.
E allora, forte di questa convinzione,
noi dobbiamo dimostrare che questo è un fatto.
Piangersi addosso non serve assolutamente a gnente.
E come nel momento duro²
dagli spalti la gente ti dice
"Ehh, la squadra non gira, non corrono..."
Bene, correte di più,
stringete i denti,
prova di carattere.
E allora dagli spalti vi applaudiranno,
perché voi andrete e segnerete,
come fece Napoletone³ a Waterloo...

¹ E che c'è di male nell'avere senso critico?
² Quando il gioco si fa duro (cit. Blutarsky)
³ sic!

Aggiornamento: Segnalo un interessante post di commento alla vicenda:
Può insegnare qualcosa il caso Luciani?

Gli attori di 20th Century Boys

2008-04-03T16:15:00.009+02:00

Visto che sono in vena di anticipazioni di film tratti da (splendidi) fumetti, ecco chi saranno gli attori, secondo l'IMDb, della trilogia tratta da "20th Century Boys" di Naoki Urasawa: nell'ordine, Toshiaki Karasawa (Kenji), Etsushi Toyokawa (Occho), Takako Tokiwa (Yukiji). Non sono foto di scena. Il primo film dovrebbe uscire in Giappone il 30 agosto 2008.

Mythèon, episodio 7

2008-03-29T15:27:00.009+01:00

Nel settimo capitolo di Mythèon spiccano i bei disegni di Matt, che io ho cercato di rovinare con le mie chine frettolose (nell'ultima tavola ho addirittura cancellato il portale dal quale usciva la navetta perché non avevo voglia di inchiostrarlo! ^-^;). Avete notato come il design dei personaggi (vedi per esempio Pietro, nell'immagine qui a fianco) sia diventato più realistico? Da questo episodio, inoltre, la storia si fa davvero incalzante e correrà a vele spiegate verso la conclusione: aspettatevi una serie di cliffhanger!

I personaggi di Watchmen

2008-03-09T23:18:00.007+01:00

Manca un anno all'uscita del film di Watchmen (prevista per il 6 marzo 2009) e ancora non so se illudermi che il regista di "300", Zack Snyder, riesca a combinare qualcosa di buono oppure no. Nel frattempo, sono state rese pubbliche le prime immagini dell'aspetto che avranno i personaggi. Che dire? Il comico e Rorschach sono convincenti, gli altri un po' meno...

Volare troppo fa male

2008-03-06T18:55:00.003+01:00

Da E-Polis Milano di oggi:

Ma non ha vinto il Nobel

2008-02-29T09:52:00.003+01:00

Secondo l'onorevole Gabriella Carlucci di Forza Italia, un fisico o in generale uno scienziato non può essere considerato di valore se non ha vinto almeno il Nobel. Come dire che un calciatore non vale niente se non ha vinto il Pallone d'Oro, un regista è un incapace se non ha vinto l'Oscar, o una soubrette non può far politica se non ha vinto un Telegatto. La discutibile affermazione (che fa capire anche molte cose sullo stato della ricerca scientifica in questo paese) è stata espressa nel tentativo di screditare Luciano Maiani, candidato alla riconferma della presidenza del CNR e reo di essere uno dei firmatari del documento che chiedeva al rettore dell'università La Sapienza di riconsiderare la decisione di invitare il papa a parlare all'inaugurazione dell'anno accademico.

Dopo aver scritto una lettera a Prodi in cui diceva peste e corna del lavoro di Maiani, citando come fonte un illustre fisico con cui lo scienziato italiano (anzi, sammarinese) ha collaborato, Sheldon Lee Glashow, la Carlucci ha ricevuto la piccata replica di quest'ultimo che smentiva completamente le dichiarazioni dell'onorevole e ribadiva invece la propria stima nei confronti di Maiani. Al che Gabriella ha replicato in maniera puerile con la frase in oggetto, che cito testualmente: "Se Maiani e i suoi amici sono, come Lei dice, luminari stellari stimatissimi in tutto il mondo, perché non hanno mai vinto il premio Nobel?". Tutto il surreale carteggio si può leggere in rete, anche sul blog della Carlucci (che naturalmente viene massacrata nei commenti dai suoi stessi lettori): io linko questo blog perché riassume bene la situazione e cita tutte le fonti originali.

P.S. Maiani è poi stato riconfermato presidente del CNR. Glashow è celebre i suoi contributi all'unificazione delle forze elettromagnetiche e deboli insieme ai colleghi Salam e Weinberg, primo passo verso la grande unificazione (il lavoro gli valse il premio Nobel nel 1979, quindi lui è sicuramente uno scienziato di valore!).

Mythèon, episodio 6

2008-02-25T08:32:00.003+01:00

Di tutti gli episodi, il sesto (online come gli altri su www.mazzate.com) è quello per cui devo assumermi i minori meriti e le minori colpe. È stato infatti interamente disegnato dal bravissimo Max, al quale avevo lasciato carta bianca anche per la sceneggiatura delle prime dieci pagine (mi ero invece riservato le ultime due, molto importanti nell'economia della vicenda). L'idea della torre segreta che i personaggi cercano di raggiungere proviene naturalmente dal ciclo di romanzi de "Il mondo del fiume" di Philip J. Farmer, principale fonte di ispirazione dell'intera saga di Mythèon. L'episodio, purtroppo, costituisce anche l'ultima collaborazione di Max alla serie. Il prossimo sarà invece disegnato tutto da Matt.

La straordinaria invenzione di Hugo Cabret

2008-02-19T23:46:00.002+01:00

Questo bel libro di quasi 550 pagine può essere letto in un paio d'ore, o anche meno. Al testo scritto unisce infatti lunghe sequenze di pagine illustrate, da sfogliare velocemente come se fossero i fotogrammi di un film. E proprio al cinema, in particolare a quello delle origini, si ispira la storia, che vede un ragazzino orfano nella Parigi del 1931 vivere clandestinamente in una stazione ferroviaria, occuparsi della ricarica degli orologi, ricostruire un misterioso uomo meccanico (un automa che ricorda i celebri 'scacchisti' settecenteschi) e scoprire il mistero di Georges Méliès, uno dei padri della settima arte, inventore del cinema fantastico e autore del Viaggio nella Luna. Il testo e illustrazioni (a matita o pastello, ma non mancano alcuni fotogrammi di film o i disegni preparatori delle pellicole di Méliès) si susseguono senza soluzione di continuità, e il risultato è una narrazione originale e avventurosa, una nuova forma di arte sequenziale piuttosto lontana, nonostante quello che viene detto in quarta di copertina, dalla tradizione delle graphic novel. Per bambini? Forse, ma non solo.

CJ7

2008-02-16T16:27:00.003+01:00

Ecco il trailer di uno dei film più attesi di quest'anno!

Tutto Barks

2008-01-28T09:55:00.001+01:00

Oggi è stato distribuito gratuitamente con il Corriere della Sera il primo volume di una collana di brossurati (di 200 pagine l'uno) dal titolo "La grande dinastia dei paperi", sottotitolo "Le più belle storie Disney di tutti i tempi". Ma si tratta di ben più di una semplice raccolta di storie generiche come suggerisce il titolo: è la ristampa, integrale e cronologica, di tutte le opere di Carl Barks, il più grande fumettista di tutti i tempi. La martellante pubblicità (dell'agenzia Armando Testa) su stampa e tv negli ultimi giorni, naturalmente, non faceva cenno di tutto ciò: per pubblicizzare l'iniziativa utilizzava addirittura immagini non di Barks, ma di un simil-Taliaferro. È come se una collana integrale (e inedita) dei racconti di Cechov fosse stata annunciata con il titolo "Le migliori storie della letteratura russa" e con un'immagine di Dostoevsky!

Il timore di allontanare gli eventuali curiosi, oltre che con un titolo della collana che non menziona Barks né in copertina (eccettuata una firmetta) né sulla costa, si sconta anche con la scelta di cominciare la pubblicazione con le storie degli anni cinquanta (quelle degli anni quaranta, che verranno recuperate a fine opera, avrebbero forse allontanato i lettori?). L'anno 1950 è comunque segnato sulla costa, il che consentirà di rimettere i volumi in ordine cronologico una volta completata la collana. Per fortuna, copertina a parte, l'interno del volume è ottimo, grazie anche ai testi introduttivi di Luca Boschi e Alberto Becattini. Traduzioni e lettering (di Diego Ceresa) dovrebbero essere quelli di Zio Paperone. Non sono troppo convinto della stampa, invece: mi sembra che i neri siano un po' impastati. In ogni caso si tratta di una collana da non perdere, anche per chi come me queste storie le ha già lette tutte! I volumi successivi costeranno 7,90 euro più il quotidiano: un prezzo in fondo non così basso, vista la tiratura certamente più alta rispetto per esempio a un Maestri Disney. Ma la bellezza delle storie, naturalmente, lo vale tutto.

Mythèon, episodio 5

2008-01-27T15:46:00.005+01:00

Dal quinto capitolo di Mythèon il contributo degli altri disegnatori aumenta preponderatamente. Matt ha disegnato la prima e la sesta tavola (creando graficamente il robottone, che mi sono ritrovato sulla pagina senza averlo preventivato), Max l'intera sequenza delle tavole 7-12, facendo un lavoro così buono da guadagnarsi l'incarico di realizzare interamente il successivo sesto episodio. Questo capitolo è comunque fondamentale, sia perché introduce appunto i robottoni che ci terranno compagnia fino al termine della vicenda, sia perché porta finalmente allo scoperto uno dei "cattivi", anche se le sue reali intenzioni rimarranno un mistero ancora per molte pagine. Personalmente si tratta del mio episodio preferito insieme al settimo. Spero che piaccia anche a voi!

L'ultimo teorema di Fermat

2008-01-24T17:51:00.005+01:00

Questo interessantissimo libro di Simon Singh, autore anche di un documentario della BBC sull'argomento, racconta la storia del teorema matematico più famoso di tutti i tempi, il primo la cui dimostrazione ha attirato l'attenzione dei media e riempito le prime pagine dei giornali di tutto il mondo. Il testo, avvincente come un romanzo, copre oltre due millenni di storia, visto che comincia da Pitagora e finisce con Andrew Wiles, l'uomo che finalmente, trecentocinquanta anni dopo Fermat, ha risolto l'enigma quando ormai molti cominciavano a dubitare che fosse possibile.

Nel 1637 l'avvocato e matematico francese Pierre de Fermat stava leggendo una copia dell'Arithmetica di Diofanto, uno dei più celebri testi greci sull'algebra e la teoria dei numeri. Sulla pagina che spiegava come esistessero infinite terne pitagoriche, ossia terne di numeri interi a, b e c (come 3, 4 e 5, oppure 5, 12 e 13) che soddisfano l'equazione di Pitagora

a²+b² = c²,

Fermat scrisse di proprio pugno una nota a margine che diceva, più o meno, che non esiste invece nessuna soluzione se si sostituisce l'esponente con un qualsiasi altro numero maggiore di due. Vale a dire, che non esistono tre numeri interi a, b e c che soddisfano l'equazione

aⁿ+bⁿ = cⁿ con n>2.

Aggiunse poi una frase che avrebbe tormentato generazioni di matematici per gli anni a venire: "Dispongo di una meravigliosa dimostrazione di ciò, ma questo margine è troppo stretto per contenerla" (in latino: "Cuius rei demonstrationem mirabilem sane detexi. Hanc marginis exiguitas non caperet").

Fermat non aveva molti contatti con altri matematici suoi contemporanei, a parte qualche scambio di lettere con Mersenne e Pascal, e non pubblicava mai i suoi risultati. Spesso enunciava teoremi senza fornirne la dimostrazione, anche se in seguito quasi tutte le sue affermazioni si sono rivelate esatte. L'unica che dopo la sua morte rimaneva ancora da dimostrare era proprio quella che è passata alla storia con il nome di "Ultimo Teorema di Fermat" (anche se, a rigor di termini, non era un teorema ma una semplice congettura).

La sfida al teorema impegnò le menti dei più grandi matematici del settecento, dell'ottocento e del novecento. Dopo tutto, l'enunciato è così semplice da essere capito anche da un bambino, e non sembrava possibile che la dimostrazione fosse invece tanto complicata (soprattutto dopo che Fermat aveva affermato che era "meravigliosa"). Nel 1908 un ricco industriale tedesco offrì addirittura un premio di centomila marchi (che corrispondevano a oltre un milione di euro di oggi) a chi avrebbe trovato una dimostrazione oppure fornito un controesempio (provando cioè che Fermat si sbagliava, e che esistono tre numeri interi che soddisfano l'equazione). I tentativi di dimostrazione furono così numerosi (e naturalmente tutti errati) che il direttore del dipartimento di matematica dell'università di Gottinga, al quale spettava il loro controllo, aveva fatto prestampare dei biglietti che recitavano "Gentile signore, grazie per il suo manoscritto sulla dimostrazione dell'Ultimo Teorema di Fermat. Il primo errore si trova alla pagina ____, riga ____. Questo invalida la dimostrazione".

Il libro di Singh ripercorre i tre secoli di tentativi e in particolare racconta la vicenda di Andrew Wiles, il matematico americano che nel 1995 arrivò finalmente a dimostrare quello che è stato probabilmente il teorema più studiato nella storia della matematica. Anche la storia della dimostrazione di Wiles è interessante: una prima versione, annunciata nel 1993 fra l'entusiasmo della comunità scientifica, si dimostrò parzialmente errata, e Wiles dovette lavorare un altro anno per "tappare il buco". Naturalmente riscosse il famoso premio di Gottinga, che però nel frattempo si era svalutato a "soli" quarantamila euro.

La dimostrazione di Wiles (qui in PDF) è lunga oltre un centinaio di pagine e utilizza strumenti matematici complicatissimi che sono stati elaborati soltanto nel ventesimo secolo (come la congettura di Taniyama-Shimura sulle curve ellittiche). Sicuramente non si tratta, dunque, della dimostrazione "meravigliosa" che aveva in mente Fermat. Alcuni ritengono che il matematico francese, per una volta, si fosse sbagliato, e che anche la sua dimostrazione fosse difettosa. Non avendola annunciata in pubblico ma menzionata solo in un'annotazione privata, non sentì mai il bisogno di pubblicare una smentita.

Mythèon, episodio 4

2008-01-05T14:59:00.004+01:00

C'è poco da dire su questo quarto capitolo (online come gli altri su mazzate.com), che è abbastanza interlocutorio. Dalla fine del precedente episodio è passato qualche tempo, ma la vera trama deve ancora decollare. Rileggendo Mythèon, ho notato come i capitoli dispari siano i più interessanti, quelli che portano avanti la vicenda, mentre i capitoli pari sembrano quasi "di passaggio". L'ultima vignetta dell'ultima pagina è disegnata da Matt.

Il 2007 al cinema

2008-01-01T11:57:00.002+01:00

Qual è stato il film film più bello che ho visto al cinema nell'anno appena concluso? Senza ombra di dubbio, il cartoon Pixar "Ratatouille", che si aggiudica per il momento il mio Oscar di Xian (il premio, altamente volatile perché continuamente soggetto a possibili variazioni future, che attribuisco al miglior film di ogni annata). L'anno precedente, per esempio, questo riconoscimento era andato a "The prestige" di Christopher Nolan. Altre pellicole memorabili di questo 2007 (non proprio entusiasmante, a dire il vero) sono state, a mio personale giudizio, "Ai confini del paradiso" di Fatih Akin (il regista de "La sposa turca"); "Nightwatching" di Peter Greenaway, uno dei suoi migliori film recenti; il thriller poliziesco "Zodiac" dell'altalenante David Fincher; il solido "La promessa dell'assassino" di David Cronenberg; l'intenso "Paranoid Park" di Gus Van Sant; "Angel", il feuilletton di François Ozon; il bel cartoon politico "Persepolis" di Marjane Satrapi; i fantasy "Stardust" di Matthew Vaughn e "Un ponte per Terabithia" di Gabor Csupo; i vincitori di festival "Lussuria" di Ang Lee e "4 mesi, 3 settimane e 2 giorni" del rumeno Cristian Mungiu; e le sorprese "Vidange perdue" del belga Geoffrey Enthoven e "Caramel" della libanese Nadine Labaki. Per il film più brutto dell'anno, invece, non c'è assolutamente partita: è l'inguardabile, pretenzioso, inutile e post-moderno "Io non sono qui" di Todd Haynes. La delusione maggiore è stata infine quella di "Grindhouse – A prova di morte", finora il peggior film di Tarantino.

Mythèon, episodio 3

2007-12-19T14:58:00.003+01:00

Il terzo capitolo di Mythèon completa il miniciclo introduttivo della saga, gettando le basi per la trama principale che comincerà nel quarto episodio e decollerà definitivamente nel quinto. Da notare, nella prima e nella quarta tavola, altri accenni di retini, che poi abbandonerò definitivamente a favore del tratteggio. Dietro la vignettona di pag. 8 (così come in alcune vignette delle pagine precedenti e nell'utilizzo di ardite inquadrature in prospettiva) si intravedono le mani di Max e di Matt. Grazie a tutto questo, i disegni acquisiscono più tridimensionalità e anche i personaggi cominciano a essere graficamente più caratterizzati.

Lost in translation

2007-12-11T10:58:00.003+01:00

Il nuovo (non riuscitissimo) film di Denys Arcand, da pochi giorni nelle sale italiane, si intitola "L'età barbarica". In Italia, s'intende. Questo è infatti il titolo sciaguratamente scelto dai distributori nostrani per assicurarsi che allo spettatore distratto non sfugga che si tratta di una pellicola dello stesso regista del popolare "Le invasioni barbariche", di cui non è però un sequel in senso stretto. Il titolo originale, "L'âge des ténèbres", faceva invece correttamente riferimento al primo medioevo, ossia al periodo storico attraverso il quale il film analizza il presente (approccio tipico di Arcand, inaugurato ne "Il declino dell'impero americano" e proseguito appunto ne "Le invasioni barbariche"). Inizialmente il film era stato annunciato come "L'età dell'ignoranza", titolo che faceva pensare più che altro a una fase adolescenziale (chiamarlo "L'età delle tenebre", o al limite "I secoli bui", era così difficile?) ma almeno evitava la ripetizione di una parola già usata nel nome del film precedente, una cosa che mi dà parecchio fastidio.

Un pasticcio simile, anche se involontario, i distributori l'avevano già combinato con la serie dei "Pirati dei Caraibi". Dopo aver 'tradotto' (si fa per dire) il primo titolo ("Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl") in "La maledizione della prima luna", eliminando il titolo-ombrello e alterando il sottotitolo, avevano scelto di chiamare il secondo ("Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest") "Pirati dei Caraibi: la maledizione del forziere fantasma". Come si vede, anche in questo caso oltre alla traduzione 'libera' c'è la scelta di ripetere una parola ("maledizione") che, curiosamente, scompare poi dal titolo del terzo film ("Pirates of the Caribbean: At the World's End", in italiano "Pirati dei Caraibi: Ai confini del mondo"): avevano cambiato idea? A quel punto, perché non insistere con "La maledizione ai confini del mondo"? Non solo incapaci, anche incoerenti.

A volte, a dire il vero, la parola ripetuta c'è anche nei titoli originali. Questo non elimina il problema per i soliti distributori italiani di doversi inventare nuovi titoli dopo aver sciaguratamente alterato quello del primo episodio. Dopo "Una settimana da Dio" ("Bruce Almighty"), ecco dunque "Un'impresa da Dio" ("Evan Almighty"); dopo "Il mistero dei templari" ("National Treasure"), ecco "Il mistero delle pagine perdute" ("National Treasure: Book of Secrets"); e non oso pensare cosa si inventerebbero se dovesse uscire il sequel del bellissimo "Se mi lasci ti cancello" ("Eternal sunshine of the spotless mind").

Cambiare titolo ai film, d'altronde, è un'usanza diffusa e di vecchia data per i distributori italiani. Spesso il cambiamento avviene in più fasi: ricordo ancora di aver visto nei cinema un trailer che annunciava "La lega degli uomini straordinari" ("League of the extraordinary gentlemen"), facendomi commentare con delusione la perdita del termine "gentlemen" che caratterizzava in maniera perfetta l'epoca storica e lo stato sociale dei protagonisti. All'uscita nelle sale, comunque, il titolo era stato ulteriormente appiattito in "La leggenda degli uomini straordinari". Ho detto appiattito? Mai come è capitato in tempi recenti a "Le crociate" ("Kingdom of Heaven") o a "La città proibita" ("Curse of the Golden Flower"). Ma, pensandoci bene, anche a "La tigre e il dragone" ("Crouching tiger, hidden dragon").

Il massimo del ridicolo, forse, lo raggiungono quei film il cui titolo italiano... è in inglese! Mi riferisco per esempio a "The pusher" (titolo originale: "Layer Cake") o "Sex crimes" (titolo originale: "Wild things"). Mah. A questo punto sarebbe quasi meglio lasciare sempre i titoli non tradotti, anche se io preferisco comunque una buona traduzione.

Tutto questo discorso non si limita ovviamente ai titoli recenti: se si va a rivangare nel passato si trovano famigerate nefandezze come quelle dei film di Truffaut ("La sirène du Mississipi" reintitolato "La mia droga si chiama Julie"; "Domicile conjugal" reintitolato, incredibile ma vero, "Non drammatizziamo... è solo questione di corna!"; o, all'opposto, "Les quatre cents coups" tradotto letteralmente "I quattrocento colpi", che in italiano non vuol dire nulla mentre in francese significa "fare il diavolo a quattro"). Altri celebri casi di traduzioni più o meno sciagurate riguardano "Frank Costello faccia d'angelo" ("Le samouraï" di Melville, il cui protagonista si chiama Jeff, non Frank!) e "M, il mostro di Düsseldorf" ("M" di Fritz Lang, che in realtà si svolge a Berlino!) Anche se forse, ripensandoci, chiamare un film "Il mostro di Berlino" negli anni trenta non sarà stato particolarmente indicato...

Naturalmente non mancano rarissimi casi (e sempre più rari, ormai) di film il cui titolo italiano, completamente modificato, risulta più bello, memorabile o azzeccato dell'originale: i casi più celebri vanno da "Quarto potere" a "L'attimo fuggente".

Mythèon, episodio 2

2007-11-22T18:19:00.003+01:00

È online su www.mazzate.com il secondo episodio di Mythèon, la saga a fumetti da me realizzata circa vent'anni fa. Si tratta probabilmente del più debole fra i dieci capitoli che compongono la storia, visto che fa avanzare la vicenda di ben poco (stavo ancora mettendo a punto tutti i dettagli della trama), in attesa del terzo episodio con il quale si chiude il "miniciclo" introduttivo. Seguiranno poi quattro capitoli centrali più ricchi di azione e tre capitoli conclusivi con la soluzione di tutti i misteri. Da notare un maldestro tentativo di uso di retino a pagina 5 e, soprattutto, la presenza di un'altra mano nelle due vignette conclusive di pagina 8: si tratta di Matt, che illustrerà poi interamente il settimo capitolo e metà dell'ottavo.